对话余旭红：技术再强，艺术不可替代的仍然是人的灵韵

当人工智能以前所未有的力量重塑艺术的生成与感知方式，一个根本性的叩问也随之而来：在技术能轻易模仿风格、生成图像的今天，艺术最不可替代的核心价值究竟是什么？中国美术学院院长余旭红指出，艺术的真正本意，是回到事物原本生长的地方；AI是照亮前路的“灯光”，但艺术教育必须守护人心中那团温暖的“烛光”，即对世界的感受力、情感的涌动与个性的“灵韵”；同时，在“烛光”的照耀下，也要看到“灯光”所展现的新能量与新场景。

技术洪流下，创作自由与版权归属、对艺术带来的冲击等，这些都是时代新命题，余旭红回应了这些命题。这场对话，不仅仅讨论艺术教育的未来，更探讨在一个被技术深刻定义的时代，我们如何确认人之为人的精神坐标。

余旭红：严格意义上说，人工智能对艺术并非冲击，而是一个机遇。何以见得？因为艺术的真正本意，是回到事物原本生长的地方。在中国甲骨文中，“艺”字就像一个半跪着的人在种植禾苗，既要对土地怀抱敬畏，又要对禾苗充满爱意、善意与尊重。这才是“艺”字的本意，它也蕴含着教育的源初定位。

在这个意义上，人工智能提供了一种新的生存方式或思维方式。但关键是如何更好地回归艺术本身，回归我们所说的、发自内心之“爱”的本意，即让人能够更加自由、更加全面地发展。

越是人工智能发达、技术迭代迅速，就越需要艺术智性的支撑，或者说，越需要艺术的温暖与人性的光芒。

艺术的本意，真正要聚焦的是人心，是人心深处被温暖触动的地方。它关乎我们对事物的感受力、共情力、观察力、审美力，并最终指向创造力。在技术迭代之后，艺术的这种本质需求，恰恰是AI技术无论怎样变化、形成各种“AI+”系列时，艺术价值被呼唤得愈发重要的原因。

余旭红：事实上，在我们学校的发展历程中，早在1924年，蔡元培先生在法国斯特拉斯堡就提出了两个主张：“东西融合”与“科艺融合”。因此，中国美术学院的基因里一直带有这些传统。在不同历史时期，学校都非常明确地致力于将艺术与时代前沿技术的新突破相结合。

像中国最早的录像艺术、新媒体艺术、跨媒体艺术，以及我们的创新设计教育，都是中国美术学院在杭州、在全国率先推行，并形成了重要的人才培养经验和教学方式。同时，在每一个技术变革的时代，如何保持艺术的纯粹之心，即艺术温暖、感动人心的一面，始终是我们的关切。

因此，我们学校一直坚持“本土与国际双轮驱动，人文与科技双向汇通”。在高世名教授担任院长时，就明确提出要让“人工智能”与“艺术智性”两者很好地互相转化。例如，人工智能的生成方式为我们提供了视觉的多种可能，但需注意，许多生成图像中，个性因素容易被遮蔽。如何发挥艺术创作的个性表达与形式的丰富多样？在这方面，艺术依然具有其独特优势。

在这个前提下，我们学校的许多专业，包括设计、电影、动画、游戏等，都在与前沿技术进行深度链接，推动相关语料库建设。许多教学环节已在迅速迭代升级。

我们既要敏锐地抓住并行动，拥抱人工智能为艺术教育带来的新张力与可能；同时，也要坚守艺术回归人心、温暖人心的原初力量。两者需形成有效互动。

余旭红：应该说，AI提供了一种新的思路或可能性，它只是创作自由的路径之一，或者说只是一个阶段性工具，并不能替代创造力本身。因此，在AI技术运用越广泛的时候，创造力的萌发与培养就至关重要。如何回归到创造力养成的教育初心，是当前艺术教育面临的重要问题。

这涉及不同教育专业的特性需求。同时，在版权层面，情况也不同：如果你的艺术创作有原发动力，AI只是工具，作品呈现的是一种状态；但如果你只提供一个最初的简单设想，之后大量依靠AI生成，那么两者在作品中的比重就不同了。

因此，无论作品最终如何呈现，真正重要的是如何避免AI对人的创造力的“异化”。如何确定AI生成作品的版权，也是我们面临的新问题。这些问题需要具体问题具体分析。但更关键的是，AI提供新可能的同时，我们必须思考如何守护艺术创作的“本心”，如何强化并更有意识地发挥人自身的创造能量。我们对事物的敏锐性、对世界的感受力、对创造力的渴望，不能交给AI去完成。AI只是提供了一种全新的可能，但不能忽视人真正的价值。

本质上，AI替代不了人对世界最原初的、源自内心的需要或源自内心的“爱”。但AI现在不只是一个工具，也不只是一种技术，它代表着一个时代。在这个时代，我们的许多生活方式和思维方式都在被重塑。这种情况下，尤其是艺术教育者，应思考如何回归对人的心灵的塑造，如何回归对未来的超越性想象的追求，以及如何跳出千篇一律的叙事方式。例如，在某些短视频中，其叙事和画面结构可能非常相似，审美也可能相对缺失。有时，作品的价值不在于画得多“完整”，而在于你内心的感动能否与公众产生共鸣。

因此，艺术创作在AI时代面临的真正难点在于：创造的自由和能量，是保存在艺术家手中，还是交给了机器或AI技术，或是形成了某种新的、将人自身完全抽离的生成逻辑？这是一个需要警惕和关注的问题。创造力是基础，其后的一切形式都由此延展。目前最关键的是，即使要热情拥抱技术，也必须清醒。

这就像摄影术的发明，当年对油画创作是巨大挑战，甚至有人提出“绘画已死”。但事实上，绘画转向了另一条路径，更深入人的内心。西方现代艺术的兴起就与摄影术的发明有很大关联。某种纯粹写实的、记录性的表达方式可能式微，但艺术转向了对个体经验和自我感受的表达。你可以看到印象派的兴起与摄影术发明在时间上的关联。但这并不意味着摄影术消解了绘画，因为绘画承载着人对事物最原初、最生动、最直接的感动，这是无法被淹没、遮蔽或消解的。在这个意义上，技术反而可能提供新的创作可能。

越是技术发达，对人心的温暖、对同理心与共情力的呼唤就越发重要。当技术为艺术提供可能时，艺术也为技术提供温暖。这实际上是辩证的两面。技术不应成为将人异化的冰冷工具，或自我设限的框框，而应通过技术迭代，让我们思考：20年前我们用BP机，与现在用手机视频通话，内心的幸福感是后者完全替代前者了吗？显然不是。技术的便捷不等于幸福。在这个意义上，艺术在与技术产生张力的过程中，反而可能激发出新的能量。

当然，AI技术对不同艺术门类的影响不同。摄影、电影受到的冲击可能更直接。绘画领域也有AI生成的作品，可以模仿某种风格或画面效果。但你会发现，真正的艺术家作品，哪怕技术手法不成熟，其中最重要的是有独特的感受、个体的差异、个性的表达，这些会在作品中留下珍贵的“灵韵”，而不仅仅是一个完美的形式或习以为常的方式。

你看，AI现在也能生成很多诗词，但如果我们去读李白的诗，就会发觉AI生成的诗总是“差那么一些味”，或者说缺少了我刚才提到的“灵韵”，缺少了诗心。因为它无法替代人心最真实的涌动或澎湃的情感。

因此，对年轻学生而言，AI开启了更多选择和创作自由，同时也会重构思维，更重要的是深度改变学习方式，即理解事物的方式会获得新通道。当然，许多类比性、分析性的工作，AI能快速完成。比如，给在场各位拍张照，AI能快速分析出年龄段甚至性格特点。但这并非最终结论，只是一种参考。

对于伟大的艺术作品而言，AI可能只是提供了一根“拐杖”，它本身不是最终目的。无论哪个时代，技术如何迭代，对那些能够温暖人心、超越时空、跨越国度、富有当代价值与永恒魅力的杰作的呼唤，永远不会消失。

因此，无论在中国还是海外，不同历史时期，只有做到“熔铸古今、汇通中外”，形成新时代的重要创造，才能催生新时代年轻人创作力量的涌现。

余旭红：我刚刚提到的中国对“艺术”的认知，或许就能回答这个问题。艺术一定扎根于本土。就像我刚才所说“艺”的内涵。因为艺术本身，就承载着对某种现实困境的超越性表达。

在这个意义上，无论东方还是西方，人们对艺术都怀有一种期待：它并非唾手可得，也不能一蹴而就。因此，在AI技术、经验与内心情感多维交融的时刻，关键在于你如何善于利用工具，如何体察生活现实中最深切的感受，并用艺术的方式去表达。这自然会形成一个非常生动的画面。尤其对于社会不同层面的创作者而言，这是一个非常好的契机，可以相对自由地表达。

您刚才提到的技术能否催生“繁荣”？我认为这至少是一个很好的契机。核心问题在于，如何实现文化的传承、融合与创新。因为所有文化都建立在过去的伟大传统之上，同时又结合了时代最重要的创新，并与世界各种文化展开对话。就像此刻，你无法用AI来向我提问，因为你的问题是基于今日对世界数字教育大会盛况的认知与感悟，是从内心生发的关切。你的关注点与其他几位记者并不相同，并非一个“放之皆准”的、由AI生成的问题。

这让我想起一个很生动的故事：德国有位哲学家，在电灯发明后，仍要求妻子不要开灯，他坚持点着蜡烛写作。一次风吹灭蜡烛，他趴在地上摸索寻找，妻子进来后没有帮他找蜡烛，而是直接打开了灯。哲学家很快找到了蜡烛，并由此感悟：灯不仅仅是灯，还能帮他更快地找到蜡烛，这实际上是一个重要的隐喻。

因此，我们面对技术时，不应忘记内心那团温暖的“烛光”；同时，在“烛光”的照耀下，也要看到“灯光”所展现的新能量与新场景。事实上，二者是互相启发、互相观照甚至能互相转化的能量场。这也是为什么我们过生日时，不会只用通透的白炽灯，而总会点上一支蜡烛。这说明，我们内心深处对于美好生活、对于精神超越的想象与需求，其实一直存在。

我认为既不应以“技术进步论”来简单定义AI，也不应以“艺术消亡论”（如“绘画已死”）来否定艺术的独特价值。关键在于，不同时代的人面对不同的工具，如何回应那些与你的生活、你的精神，乃至人类未来密切相关的事物，并由此生发更为深刻的思考与更为紧密的联结。