记者：您最新个展的主题为“以形显态”，也是您总结的个人创作的最新阶段。从“借古开今”“图像迹遇”“过程延展”“混沌初开”到“以形显态”，您的创作主题从为古代在当下寻找出口，到寻求现实意义的延伸，创造特有的时代图像，再尝试将未完成性带入画面，再由混沌孕育形象。最新阶段“以形显态”是一个动态显形过程。在时间和空间这条主线下，您的创作关注的主题愈来愈宏大，也越来越走向抽象的终极真理。请谈谈您创作主题转变的契机和内在的哲学思考。
钟飙： 这是一个较为漫长的话题。1990年走访西北文明遗迹之旅，我直观地感受到历史的在场，当下不再仅仅是当下，而是历史演进的临时聚合态。这种感受对那时的我极具穿透力。借古开今，从1991年毕业创作试图为古代在当下找到出口开始，对于时空观的认知和表达就成为我艺术发展的主线。
钟飙《都市过客与昭陵》
布面油画，100×81cm，1991
随着90年代图像时代的到来，海量信息打开了我创作的阀门，不断地对图像进行异质同构，把矛盾对立体合成新的矛盾统一体。大量的图像迹遇又形成新的时代图像。
钟飙《公元1997》
布面油画，180×180cm，1997
1998年我尝试把未完成性带入画面，将过程延展为结果。效率的提升跟上了图像冲浪的节奏，也为自己的生活与艺术合体奠定了基础。2005年，艺术对我来说不再是生活的旁观者，生活也不再是艺术的资料库，它们根本就是同一样东西，没有彼此。我将世间每一瞬间的偶然存在都看成奇迹，因为在它们背后有着浩瀚的成因。于是，对纷繁世相背后的驱动程序产生了追问。事实上，每一个偶然存在都不可能发生在必然趋势之外，潜行的发展大势裹挟历史流向，并通过人的顺势而为成就历史；我也试着把世界分为能量世界和现实世界，能量世界的运动和变化通过时间和空间的出口塑造我们的现实世界；就像趋势带动潮流那样。
钟飙《赴约》
布面木炭、丙烯，150×200cm，2004
2008年，我开始把过去、现在、未来当成整体来看待，我们经过时只是进入了这个整体的局部而已，由此提出“一切早已存在，只有经过时显形”的理念。观察、思考和表现的重心就从对“经过显形”的现实关注，转向对“早已存在”的本质探寻。
钟飙《显形之一》
布面木炭、丙烯，350×900cm，2008
2009年，我感受到混沌的力量，事物一旦清晰明确出来，就带上了局限性；而在事物发生前的混沌态势里，没有局限性，无所不可。即使是有形世界，混沌也无处不在，所谓的形，在浩瀚的混沌中还不及沧海一粟，那么对于世间质与质的对撞、形与形的相契、事与事的关联来说，这些局部的清晰加起来归于全然的整体混沌，正因为如此，我们才有机会去寻找形象诞生之前的能量源泉，觉悟微观与宏观的关系，把与生俱来的明确的局限性皈依混沌，并因此无限。这样的认知导致作品刚一转型，就完成了之前的能量无法企及的巨幅作品《海市蜃楼》。
钟飙《海市蜃楼》
布面丙烯，400×1800cm，2009
2010年，随着我的“致未来”大型艺术项目在上海开幕，我就知道它永远不会消失，如果技术条件允许，一年后，从一光年处的星空回望可以看到它；一万年后，从距离地球一万光年的太空回望还能看到它。事实上，我们一举一动的信息是以光速放射状向太空传送的；那么反过来，从宇宙深空回望地球，就能够在不同距离看到地球延绵不绝的全部往事。时空一体，时间流动在不同的空间段落中，星空是宇宙的历史，装着全部的过去。每一瞬间的信息不灭，会自动永恒。这样的创想震撼了我，并于2013年在威尼斯教堂的大型个展“幻真的宇宙”里部分将其视觉化。
“致未来 ——2010上海钟飙艺术现场”
上海张江当代艺术馆
钟飙《致未来》
绘画、影像、装置，2010
钟飙《幻真的宇宙》
绘画、装置、影像，2013
“幻真的宇宙——2013威尼斯钟飙艺术现场”
意大利威尼斯圣玛利亚教堂
2014年我感知到振动频率是一切事物的动能，共振改变世界。新生事物的出现，总是少数人先感受到未来传递的微波，然后与志同道合者同频共振，从共识、共创、共荣到共享，不同振动频率强弱交织，形成新的趋势，互联网又为连接扫清了障碍，推动共振。
钟飙《能量波》
布面油画、丙烯，97×130cm，2018
2016年我提出“万古开今”的概念。每个当下，都连接着宇宙的全部信息和它们的相互关系，但生命个体受到感知的局限，只能接收到极小部分，这部分就叫现实。宇宙既在我们外面，又在我们里面。所有的发生都相互关联，正所谓天网恢恢疏而不漏。如果建立万无一体、古今一体的整体观或信念，那么我们收到的任何信息都具有了牵一发动全身的潜质。
钟飙《仿佛》
布面油画，120×150cm，2016
“以形显态”是我通过多年思考实践提出的概念。除了海量信息构成的外部世界是我赖以观察、体验和思考的基础，还总能感受到一些潜行的态势在左右现实，它就像趋势一样看不见摸不着却又真实地存在着，并且带来意义系统和社会价值观的变化。风是看不见的动力，云是风的姿态，风起而云涌，可视世界与无形世界有着密不可分的“形态”关系。“态”是事物之间内在的普遍联系和潜行动能，永不停息地潜移默化；“形”是“态”在具体时间和空间中聚合的外貌。每个平凡的时刻，都是由无数的不平凡决定的。艺术通过对“态”的觉悟、感知，进而表达，来显形现实深处隐藏的关系。当时过境迁，艺术则态变形随。“以形显态”这一永续的动态过程，蕴含着“一个时代有一个时代的艺术”之底层逻辑。
思想和实践的演化尽管很难完全同步，但最终一定是殊途同归的。
钟飙《时间谷》
布面油画，195×300cm，2022
记者：您的作品呈现了一个个由丰富图像构成的多重视角、空间并置的场景，无论是由具体对象展开的想象，还是您对远古的描绘，都具有一种宏大的、史诗般的氛围。在您的创作中，图像一直是一个重要的元素，您如何解读图像与现实、绘画与空间的关系？
钟飙：图像是世界的信息碎片，它背后还有着更多的信息源，准确地说每个图像都是背后海量信息的聚合体；现实也一样，它仅仅是我们可感知到的极小部分存在，现实深处浩瀚的普遍联系和潜行动能，才是塑造有形世界的幕后力量。
图像与空间的关系，先说内在，作为二维平面，好的绘画作品是高度浓缩的，能够把多维空间压缩在二维中生成，本自具足；再说外在，空间是有生命的，作品也是有生命的，如何让它们相互激活，产生新的生命，才是最重要的相互关系。
钟飙《知音》
布面油画，195×300cm，2022
记者：此次展览，作品的呈现方式立体、多元，打破了传统的架上作品布展方式，向作品以外的空间蔓延、延展，与空间产生了更多的互动。在作品呈现方式上，您是如何考虑的？
钟飙：既然置身于12米高的空间，就要把它用起来。《鸿蒙》《寒武纪》尺寸同为200×580cm,原计划将它们背对背挂在空中展示，但缺乏了体积厚度。如果侧面加厚悬吊，一是有危险，二是吊线加粗视觉效果不好。就改为做成一个580×200×200cm的立方体，离地40cm，看起来像从空中落下差一点到地面时，时间突然凝固的瞬间。这个体积23.2立方米的悬浮物填补了空间中的体量欠缺。
钟飙《鸿蒙》
布面油画，200×580cm，2022
344×842cm的《奥陶纪》高于立方体悬挂，顺着画面中的走势将蓝色喷绘到墙上，逐渐消失在天花板，而左边垂直的墙上则反过来，蓝色从天花板大面积落下，越来越细弱，消失的地方出现“万古开今”的一段蓝色文字。天花板之上我们看不到的地方，似乎还有一个蓝色的世界。这大大延伸了空间的想象。与画中同样大小的空白画框清晰地挂在模糊的蓝色上，既虚实相生，又用三维空间助攻了二维平面，使这两个维度都变得异常清晰和容易进入，沉浸式体验静静地拉开了万古开今的庄严仪式，也成为双个展无声的背景音乐。
近景为《鸿蒙》《寒武纪》的立方体
远景为《奥陶纪》
“以形显态——钟飙个展”现场，四川美术学院美术馆
“世.相——钟飙、尹朝阳双个展”现场，左为钟飙作品、右为尹朝阳作品。四川美术学院美术馆
记者：作品《奥陶纪》里有许多空白的画框，这个元素自2008年起开始出现在您的作品中。这与对您作品“话痨”的评价产生了反差，空白的处理方式也并非油画创作中惯用的手法。您为何会将这一元素引入画面中？这是否与中国传统美学的影响有关？
钟飙：不言，什么都有；一开口，挂一漏万。正所谓弹出一个音，就失去了其他音，只有一个音不弹，才五音俱全；如何做到弹出数音之后，还能保持一个音不弹的境界？如何在说与不说之间找到平衡，从而更接近真实？是很难的课题。四联的《奥陶纪》原本只有前面三联，虽完整、饱满、宏大，但我始终觉得意犹未尽。直到前面三联被更大的力量扭曲吞噬，消失在第四联中一切归于无时，才好像什么都有了。这是我的一种感受，通过作品不知道是否也传达给了观众？
钟飙《奥陶纪》
布面油画，344×842cm，2022
记者：在开幕式的发言中，您提到了5个艺术家创作的诉求。请展开谈谈您对这5个诉求的解读，以及与个人创作的内在关联。
钟飙：多元艺术格局的发展，首先来自艺术家不同的诉求，然后是这些诉求在与艺术家的生活经历、学习思考、生存环境的交互中展开的创作实践。它们主要包括：1. 向未知拓展的创新需求。2. 与时代共振的历史需求。3.将经典弘扬的传承需求。4.往内向挖潜的求真需求。5.修语言至纯的境界需求。有的艺术家会同时拥有数种需求，艺术家倾听自己内心的声音，发现自身的诉求；满怀好奇地去体验生命的过程，就会在多元格局中建构起自己的单元。
钟飙《此起彼伏的诗意》
布面油画，195×300cm，2022
记者：近些年您的作品形态越来越多元，从绘画到雕塑、装置，以及互动性、参与性很强的大型公共艺术装置作品。您如何看待不同创作媒介之间的关系和界限，在创作不同形式的作品时，您的工作方法会产生变化吗？
钟飙：艺术的媒介，是艺术家内在世界外显时的出口和载体。绘画是我的日常修行。针对不同项目类型和时空现场，当内在世界外显仅仅只有一个出口不够用时，多出口涌现、多兵种协同作战就应运而生，有时候第一次使用的媒介也能够驾驭，是因为那是我需要的出口，所以知道怎么出去。为了把自己无形的思想观念塑造为有形的可视形态，不拘一格地使用媒介是必需的。
钟飙《我们为什么热爱这座城市？》
布面油画，195×300cm，2022
钟飙+严永红《洞见》
沉浸式光影艺术装置
1150×450×360cm，2018
记者：在作品形态多元化的同时，您依然在坚持绘画的创作。随着元宇宙、区块链等概念和技术的发展，NFT成为了近几年的新热点，数字艺术更新、拓宽了艺术创作、传播、收藏的概念。您如何看待科技手段带来的创作方式和思维上的变革？在科技发展、艺术创作方式越来越丰富的当下，您认为绘画的意义是什么？
钟飙：艺术是对关系的创造性优化，时代变了、技术环境变了、生态变了，艺术就针对已经改变了的关系来进行创造性优化，与时空俱进。如果有一天，当数据量足够大，AI对可能性的演算几何级数地超越艺术家时，即便那时连艺术想象力的功能也只好交给科学，艺术仍会插上新技术的翅膀转向再拓疆。正如100多年前照相术替代了艺术的纪实功能一样，艺术的空间不但没有被压缩，反而获得了空前的发展。
今天，由于艺术边界的大幅扩展，绘画在艺术中的份额虽然在缩小，但绘画世界本身，却已远远大于过去，就像是宇宙膨胀。绘画是二维平面的，尽管有三维、四维，甚至五维艺术的出现，但每个维度都是不可替代和没有高下之分的，怎么可以想象世界少了一个维度呢？所以绘画不会死。这无须争论，应该成为新的常识。
钟飙《相逐心生》
布面油画，200×140cm，2022
记者：此次展览是您与尹朝阳老师的双个展，两个人的作品呈现在同一空间中，不同的风格与形式形成了独特的呼应。在空间上您如何考量与规划两位艺术家作品的关系？在您看来，您的作品与尹朝阳老师的作品在内容和形式上形成了哪些呼应？
钟飙：我们各自寻求自己作品的最佳展示方式，在双方交汇的空间相互进行调整，当尹朝阳中间的巨幅作品盛装亮相时，对面隔层空间的墙上用什么画都接不住这样的力，而我散布的几十张作品过程图，就起到了应力、卸力的作用，这些被埋葬在画中曾经的可能性，打开了另一个维度的信息。我的重心则转移到旁边的高空间，这部分布展前面已经讲述了，就不再赘述。尹朝阳将强烈的生命体验转化为艺术的救赎，我则回到只有变化而没有对错的具象事物的底层结构中，去完成造化。虽然我们一个主观涌动，一个客观下沉，但将生命个体连接到世界浩瀚整体的努力一直都没有中断过。展览通过异质同构、能量互补达到了“1+1远大于2”的效果。因为这样的作品和布展方式，现场得以延伸，空间看上去比实际体积大多了。（来源：当代美术家）
艺术家简介
钟飙，1968年生于重庆，1991年毕业于浙江美术学院（今中国美术学院）油画系。现为四川美术学院教授、中国美术家协会油画艺术委员会委员、中国油画学会理事、重庆市油画学会副会长。曾在11个国家举办个展、30多个国家参加联展，曾获2004第十届全国美展优秀奖、《芭莎男士》2010中国年度创新艺术人物、《罗博报告》2016中国年度艺术家、2019中照照明奖二等奖、2020北美照明协会IES优秀奖。作品被中国美术馆、新加坡美术馆、香港M+博物馆、美国丹佛美术馆、德国哈根美术馆等国内外30多家美术馆收藏。出版有《显形——钟飙的图像世界》《钟飙词典》等。
