《花·果·山——王朝刚作品展》系统梳理了艺术家王朝刚近三十年来的创作脉络，是其现阶段创作生涯中的一次重要回顾。自开展以来，展览不仅呈现了高质量的艺术作品，更以学术为核心，同步举办了专题研讨会与公众艺术对谈两大活动，构建起“展览-学术-公众”三位一体的交流体系，充分体现了展览在学术研究与公共传播层面的双重价值。
研讨会现场
专题研讨会以“在场、持存与空无——王朝刚艺术的叙事逻辑与绘画的自我生成机制”为主题，邀请了国内知名艺术学者、批评家、策展人与媒体人到场参与。围绕王朝刚近三十年的创作实践，与会者们从其作品中鲜明的色彩语言、灵动自由的笔触以及东西方艺术传统的融合等维度入手，深入探讨了王朝刚在学院知识系统之外的“叛逆”，以及这种个体经验在AI时代的独特价值。讨论还延伸至川美艺术现象的代际传承、绘画与新技术的关系等议题，梳理了王朝刚创作体系的内在逻辑，进一步深化了本次展览的学术内涵。
研讨会嘉宾
中国美术学院副院长 封治国
西安美术学院副院长 何军
重庆市美术家协会副主席 张杰
四川美术学院教授、著名策展人、批评家 俞可
资深媒体人、ArtPro媒体合伙人 谢慕
批评家、策展人 杜曦云
南京艺术学院美术馆副馆长 林书传
本次展览艺术家、四川美术学院副院长、教授 王朝刚
本次展览策展人、上海YOUNG美术馆馆长 惠书文
以下为学术研讨会文字回顾内容
惠书文 ：本次研讨会的主题是“在场、持存与空无——王朝刚艺术的叙事逻辑与绘画的自我生成机制”。接下来，我们将围绕王朝刚老师本次个展正式开启研讨交流。
步入展厅，右手边第一部分以“观花”为起点，开篇是一幅王老师1997年的作品，距今已近三十年。本次展览分为三个板块：花、果、山——从“观花”到“识果”，再到“见山”。我也围绕这三个篇章撰写了相关解读文章。
今天，借此机会邀请各位嘉宾从策展人、批评家、艺术家及媒体等不同视角，共同探讨对王朝刚老师本次个展的真实感受与专业见解。首先，有请俞可老师发言。
四川美术学院教授、著名策展人、批评家 俞可
俞可：我与朝刚相识多年，看过他不少作品，感触良多。他的创作延续了川美一贯的脉络——破坏传统、颠覆固有范式。
从内容上看，他创作极为投入，常将草间弥生、达明安·赫斯特、埃尔·格列柯等艺术家的经典图像并置于画面中，结合自身对宗教、历史与文化的理解进行重构。这种并置在理论上并不新鲜，但落实到具体视觉表达时，会面临诸多难题。在这方面，他为美院图像语言的研究与探索提供了一条值得借鉴与商榷的路径。
在塑造方面，他敢于将高度写实的具象塑造与天马行空的抽象表达并置：具象部分极为精细，抽象部分则极具表现力，酣畅淋漓。这对一般艺术家而言难度极大，因为传统艺术史偏向逻辑化、体系化的语言系统，面对他的作品时常显失语。他的塑造方式与学院内逻辑化的知识系统形成了一道屏障——“他就敢这样”。
至于色彩，他完全不循常规，随心所欲。我本人是油画系出身，学画时对某些颜色持回避态度，比如荧光色容易浮于画面表层、破坏整体层次，我从未敢用，他却敢用。在高度古典的色彩知识体系中，他常会冷不丁地添上一笔荧光色。
从内容、塑造到色彩，王朝刚始终在固有的知识体系之外寻找空间。无论塑造还是观看，我们习惯于连接既有的知识、绘画与艺术认知，而他选择“破坏”。在AI时代，当一切趋于程式化、数字化时，这种“破坏”是否为绘画提供了一条新的可能路径？这条路径关乎肉身体验——反叛固有知识、反叛固化逻辑、反叛艺术史的常规叙事、反叛学院教育的刻板规范。从深层看，他始终是一个叛逆者。有时，他的用笔能从西方艺术史的传统联系到中国民间书画的意趣，这是许多稳重的艺术家不敢尝试的。
从肉身体验、随心所欲的运笔，到突发奇想的内容与场景，再到观念构成，王朝刚确实为我们提供了一个值得研究的案例，关乎艺术教育、艺术批评与绘画创作本身。
惠书文 ：感谢俞可老师。俞可老师提炼出两个核心关键词，一是基于学院背景对绘画修习的一种反叛或叛逆；二是基于当下新兴媒介与科技的发展。无论技术如何迭代更新，我们最终还是要回到个体本身，回到肉身。
接下来有请杜曦云老师。
批评家、策展人 杜曦云
杜曦云 ：我旁观王朝刚的作品多年。他近两三年的新作，风格变化依旧十分显著。
他的作品从本科阶段起便有两个鲜明特点：一是色彩纯度极高，二是用笔极其自由、大胆、泼辣，毫无拘束。此次展览可见，色彩纯度更高，笔触更为丰富，画得更加痛快淋漓。
了解王朝刚其人便会发现，他的作品与他的生命态度、个人气质高度一致——充满欢快的气息，且新作中这种气质愈发浓郁。正如俞可老师所言，他作画极为大方。西方形容一个人无所顾忌，常说“一头公牛闯进了瓷器店”，我看他则像一头“好色”之牛闯了进去，用色极其张扬绚烂。尤其是展厅中的几张三联画，图像随意拼贴，薄厚、拧转、泼洒，十八般武艺融于一炉，却毫不违和。这是性格豁达所致，作品格外放松。
在图像处理上，他近年来的工作核心可概括为“糅合”——将青少年时期积累的图像资源、视觉储备、生命感受与文化思考，尽可能融入新作。格列柯、草间弥生、杰夫·昆斯等元素皆可见于画面。乍看之下，画面欢快明亮，如同热带水果的集成、人生的盛宴；但细察之下，珠光宝气的骷髅头藏匿其间，引人深思。他将古典艺术的图像与日常消费的符号糅合在一起，给人以欢快、明亮、时尚的第一印象，同时在边角处埋下冷静反思的伏笔。这种“糅合”也推动他从二维走向三维，综合材料作品数量日益增多，部分作品已突破画框限制，颇具软雕塑的形态。以他的性格，硬雕塑等新材料未来亦可能进入创作，值得期待。
惠书文 ：谢谢杜老师，杜老师从三个维度展开讨论。首先是关于绘画的基本逻辑，造型和色彩；再者是两个高度概括的关键词——“好色”之牛和“知行合一”；最后是回到图像本身，从二维平面到三维软雕塑的形态扩展，让我也感触颇深。
接下来有请林书传馆长。
南京艺术学院美术馆副馆长 林书传
林书传：谢谢主持人，也谢谢王老师的邀请。前面几位都是老川美人，而我在南京，一直是远程观察王老师，也曾合作过展览，所以对他的三个系列较为熟悉。
回到作品本身，我一直把他当作一位特别年轻的艺术家。但此次展览涵盖了他从1997年至今近三十年的创作，跨度之大令人感慨。给我最大的感受是，王老师身上有一种“不甘心、不满足”的创作状态，始终要变化，要加入新东西，要打破自己和艺术史的既有逻辑。
这三十年，恰是川美油画为中国当代艺术输出图像与技法最为重要的时期。在川美，任何艺术家想要避开他人的图像和技法本就困难，更不用说回避艺术史的经典范式。在这样的前提下，王老师将创作中的“不满足”逐步转化为“花·果·山”三个系列。他始终在借鉴与创新、传统与当代之间保持着矛盾状态，而矛盾，恰恰是推动他不断前进的动力。
那么在传统与当代的命题上，我们如何定义王老师？我认为他有一颗传统的心，这是中国艺术家土壤性的体现。他的所看、所喜、所想，皆根植于传统。如果说“花”和“果”是对传统图像的表达，那么到了“山”系列，他对传统的理解已从外在转向内在，笔法、线条回归到中国传统的语言系统，而非停留于图像本身。
在身份上，他也是矛盾的：身为绘画教育者，他在教与学之间游走，即便担任学院领导，仍在持续学习，并将这种状态传递给学生。不少艺术家会刻意回避艺术史，试图隐藏创作脉络，但王老师大胆地将“习作感”与“创作感”完美融合。在绘画语言上，抽象与具象也难以截然区分，例如“山”系列可被定义为偏抽象，但他会悄然嵌入大量具象内容，与画面形成冲突，却又藏得巧妙、融合得自然。
将“花·果·山”三个系列并置来看，其中存在着强烈的“剧场感”，从材料、色彩到语言、观念，皆可清晰解读，且这种剧场感既强烈又克制。王老师这种不断推进、融合的创作状态，尤其是那种“不甘心、不满足”的精神，与我们南方油画圈中部分创作者固守单一技法、在固定图像中寻求个人微调的状态，形成了鲜明差异，殊为难得。
惠书文：感谢林书传老师，指出了艺术家以30年作为个体绘画修习和态度的时间脉络，另一点非常重要的是，作为艺术家在当代繁杂的语境中如何真实地面对自我、重新面对绘画。
接下来有请ArtPro的谢慕老师。
资深媒体人、ArtPro媒体合伙人 谢慕
谢慕 ：感谢王老师、书文和光明文化艺术中心美术馆的邀请。今天展览的学术氛围很好。
本次研讨会主题的后半部分——“绘画的自我生成机制”，是我最想回应的核心议题。王朝刚老师近三十年的创作实践，恰好对这一命题做出了有力的回答。
我看展览时，常会附加一个评判标准：绘画能否被AI替代？这是当下不得不面对且持续思考的问题。今天看到王老师的作品，我的判断是：完全无法被替代。
其一，作品内部包含两个时间维度。除艺术家本人三十年的创作跨度外，还隐含着一千年与一百年：一千年，可见宋画的艺术底蕴；一百年，可见近现代中外绘画大师的创作印记。对AI而言，仅依靠关键词指令，难以准确理解并有机整合如此复杂的时间层次与文化逻辑。王老师这种主动生成的状态，根植于他丰富的学养与长期的绘画经验，这是AI无法复制的。
其二，作品中体现出一种中国当代艺术家的自觉。近一百年来，中国艺术家始终面对一个核心命题——如何融合中西绘画传统。从赵无极、朱德群、常玉到今天的王朝刚，都在回应这一问题。王老师画面中的元素，尤其是中国文人常用的枝干意象，令人联想到常玉在法国借枝干表达自身文人状态与心境。而王朝刚在山景前呈现的瘦、硬、冷的枝干，与强烈的荧光粉色形成对比，将传统的文人情怀与今日“粉色的文人情怀”熔于一炉。这种强烈对比，本身就是一种绘画的生成机制，也是他在“百年融合”命题下给出的个人化表达。
其三，画面的丰富度超乎想象。若以AI关键词生成画面，AI根本无法构建出如此丰富的层次与内容。三十年的“叛逆”尤为可贵，很多创作者的叛逆热情短短数年便趋于消磨殆尽，创作逐渐陷入固化，而王朝刚三十年来持续挑战，每一个系列中都蕴含着极其反叛、突出、独到的特质。这种叛逆与挑战，正是AI不可替代之处，也是他绘画中最具感染力、最令人动容的部分。
惠书文：感谢谢老师。前面几位嘉宾谈到AI对艺术的影响或者冲突，也说到一个关键信息，对于真正热爱绘画、具有思想深度的艺术家来说，AI确实无法替代人的思想和感受。
接下来我们有请何军老师。
西安美术学院副院长 何军
何军：感谢主办方的邀请。此前看王朝刚的作品多为零散接触，今天是第一次如此完整、有脉络地感受其创作全貌。前面各位专家已经非常精准地梳理和剖析了他的创作脉络。我作为实践者，又参与学院的管理、教学与科研工作，另有一番体会。
在早期“花”系列作品中，我发现我与他的创作滋养源头十分相近，那就是宋画。宋画的花鸟、山水册页，也是我们案头常备之物，因此我能从他的图像中找到诸多共鸣的创作符号。
王朝刚一直在极为克制地做艺术语言的转换。首先是打通东方与西方的艺术脉络——油画源自西方，传入中国后，在本土文化土壤中不断被学习、研究、创作，在思辨中不断成长，这也是川美非常鲜明的特质。其次是融合传统与现代，这同样是川美艺术家突出的视觉经验。这两种脉络并行的创作思路在他的作品中体现得十分明显。
对应展览的三大创作阶段：“花”系列，能清晰看到宋画的影响，枝条的处理方式、画面的线性张力，皆源自宋画美学，甚至能感受到他用笔在画布上游走的心境。“果”系列，则清晰呈现出他对西方经典艺术的研习痕迹——塞尚、草间弥生、格列柯等大师，都是艺术领域学习研究的重点对象，他将这些经典视觉经验并置于画面中。这既是其个人学习经历与图像积累的直观呈现，也是他自我思辨、搭建个人知识体系的过程。到了后期的“山”系列，他的创作愈发偏向个人内心表达，偏向表现主义风格，个人化的经验表达日益突出。三个阶段层层递进，恰好诠释了本次研讨会主题中的“绘画的自我生成机制”。
我近期阅读了许多本院博士生的论文，不少人都在研究“川美现象”，我起初疑惑为何大家持续关注这一方向，后来才明白，研究者们实则是在梳理川美不同阶段的艺术发展历史。俞可老师提到的川美“逆规范、逆惯性”创作内核，正是川美创作始终保有活力的根源。这种创作活力在八大美院中十分罕见，也是川美最令人羡慕的创作环境。
王朝刚是川美这种创作氛围下非常典型的代表艺术家。自85新潮以来，艺术本体最终回归创作者本身，艺术家的个人特质成就了艺术作品的价值。我看到展览中展出了他大二时期的早期作品，老师当时对他的突破式创作给予了肯定。他将其置于展览开篇，绝非偶然。这份早期的肯定在他的艺术成长过程中至关重要，坚定了他的创作方向，让他敢于突破学院固化的创作惯性、突破规模化与严苛的教学框架，之后慢慢主动寻找更多创作资源。
无论是图像样式、技术手法，还是画面制作的节奏把控，都体现着他的创作智慧，而这份特质也是川美独有的，其他院校少见。我们的教学中一直明确鼓励学生突破与创新，这一点弥足珍贵。可以说，王朝刚是川美艺术传承脉络中非常典型的代表，他三十年的创作经历完整呈现了川美艺术精神的传承过程。同时，他的作品也为我们当下的讨论提供了重要参照：架上绘画发展至今，面对AI技术的冲击，未来该走向何方？
面对AI的争论，我们作为实践者并不紧张。AI在文本生成方面固然强大，但它必须依赖既有素材，才能进行二次生成与理性输出。此前在济南的研讨会上，庞院长（庞茂琨）曾分享过一个案例：一名无绘画基础的学生借助AI生成了弗洛伊德风格的绘画，效果十分逼真。但前提是，AI必须先识别并学习弗洛伊德的所有作品风格。如果没有前人的艺术积累、没有艺术家的原创，AI便失去了生成的基础。
由此反观王朝刚的作品，其中的精神价值是AI完全无法替代的，这正是绘画的真正意义所在。结合本次研讨会“绘画的自我生成机制”这一主题来看，他依托学院的学习经验与艺术素养的积累，扎根于中国三十年来的绘画发展语境，生长出了一套属于自己的完整艺术体系。
惠书文：谢谢何军老师。何军老师和王老师确实有很多相似的地方，是西安美院的副院长，身处院校管理岗位。从展览主题切入，延伸至川美教学体系，解读了艺术家如何借鉴经典的同时，建立属于自己的艺术坐标，视角务实且极具参考价值。
接下来，我们有请张杰老师。
重庆市美术家协会副主席 张杰
张杰：今天非常高兴参加朝刚的研讨会。整场讨论中，有一个关键词让我格外触动——“30年”。我和川美、和艺术创作已有近五十年的缘分。今天各位专家对王朝刚艺术创作的分析与研究，也将对川美未来的发展具有重要的启发和推动作用。
我是王朝刚艺术成长的见证者，也是他的老师。他从学生时代一名见义勇为的英雄模范人物（曾在海中救人，获重庆市表彰），成长为今天创作成果丰硕、作品面貌亮眼的艺术家，我一路见证至今。
我最近正带着博士生梳理改革开放四十多年间川美的艺术脉络，并在川美当代美术馆做了相关文献展。事实上，自早期伤痕美术、乡土艺术走红之后，川美从九十年代至今的发展历史，学界一直梳理得不够细致、研究得不够深入。为此，我们团队系统整理了九十年代以来以川美为核心、覆盖成渝地区的艺术创作发展脉络。
在我看来，改革开放四十余年，王朝刚这一辈应是川美的第三代艺术家，也是当下艺术领域的中坚力量。从这次展览中，可以清晰看到他们这一代艺术家身上三个鲜明的特点。
第一，扎实的学院语言研究特质。这一代艺术家高度重视绘画本体语言的深挖与研究。他们既汲取中国传统宋画的养分，也钻研西方古典艺术，在中西融合的道路上做了大量探索。从油画材料、画面肌理、用笔节奏到色彩搭配，每一项基础语言都被打磨得十分细致。长期在学院任教、不断传授油画基础规律与本体知识，也让他们的创作天然带有浓厚的学院属性。这一点在朝刚的作品中体现得尤为清晰，也直观呈现了国内学院艺术教育与当代绘画语言不断交融、碰撞、迭代的全过程。
第二，艺术观念的当代性探索。回望国内学院艺术四十年的发展历程，川美的学院艺术始终具备鲜明的先锋性、实验性与探索性。王朝刚的创作正是如此——他具备扎实的学院功底，同时在艺术观念的当代性方面做出了大量尝试。他的“花·果·山”系列，表面运用了美院经典的照相写实手法与图像转移等创作方式，实则折射出消费时代对艺术家创作的冲击与影响。他主动关注当下社会与碎片化时代，用独特的视觉语言和画面符号表达对世界的理解。正如林书传所言，他的画富有剧场感，画面中的花、鸟、蜥蜴等形象并非简单的自然摹写，而是经过重新提炼与重构的专属艺术景观。这是其三十年创作中难能可贵之处——始终思考当代、表达当代、探索当代。
第三，积极向上的价值取向。他的审美价值取向形成了靓丽、欢乐的艺术特征。这种正面的情趣，在面对当下各种矛盾与问题时，或许具有独特的意义与价值。
惠书文：谢谢张杰老师。确实是非常重要的关键词——“30年”。您和王老师既是师生又是艺术同行，从多个维度为我们梳理了王老师三十年的绘画体系与创作脉络。
接下来有请封治国老师。
中国美术学院副院长 封治国
封治国：很高兴再次前来观看王朝刚的展览。听完张杰老师的分享，我特别认同一个观点：王朝刚是改革开放后川美成长起来的第三代艺术家中具有代表性的人物。
我们都生于七十年代。朝刚从川美本科求学到如今担任副院长，始终保持着旺盛的创造力。大学时期，他的作品就多次收录于川美的各类画册。多年来，他经历了多个岗位的历练。我们相识时，两人都担任油画系主任，之后他又到科研处任职。即便行政工作繁杂，他始从未停下创作的脚步，始终保持饱满的艺术热情，这也是川美诸多艺术家的共同特质，张杰老师亦是如此，令人钦佩。
去年我去川美，他正在画“果实”系列。再看今天的“花·果·山”全系列作品，他始终善于将中国传统文化资源进行当代语言转换。在“山”和“树”系列里，既能看到他对中国古典意象的精准把握，也能看到他对博鲁盖尔等西方艺术传统的转译运用。这次展览名字是极具东方意境的表达，创作语言却是完全贴合当代艺术语境的。
我注意到，朝刚这些年的创作触角丰富、思维活跃，未将自己局限在固定的风格样式中。展览开篇那幅1997年的本科作品，已孕育出其后多种风格的早期苗头——无论是色彩运用、用笔方式，还是形体结构的塑造，都能梳理出一条清晰的创作脉络。同时，他的许多作品融入现成品元素，构建出一个光怪陆离的艺术景观，直击消费主义语境下复杂的社会的复杂面向。这是一种诗意的表达，其内核是对当下人生存境遇的理解与思考。
令我感动的是，他在语言把握上始终未脱离对绘画本体语言的关注。部分作品画面虽然肌理画得很薄，技法却十分讲究、地道，始终未丢失油画的美感，这在今天的当代艺术创作中并不多见。从这批作品中，能看到他对绘画语言本身的高度用心，对西方传统油画语言美感的传递十分到位。
因此，解读朝刚作品的视角可以非常多元。从他以往的“树”到此次“花·果·山”系列中的树，这已成为一种语言、一种符号，成为画面表达最关键的符号系统。这一路径与他画面中平面空间的穿插结构，共同构成了一个非常有意思的当代艺术家创作个案。川美艺术家几乎都有鲜明的性格，朝刚虽外表温文尔雅，骨子里却蕴藏着蓬勃旺盛的创作欲望与活力。他保持着一年两到三个展览的节奏，同时承担繁重的行政工作，我作为同龄人，深为钦佩。
在我看来，朝刚将成为川美艺术家群体研究中一个非常有代表性的个案。与2000年后川美成长起来的那一代艺术家相比，他这一代始终保持着与传统的联系，同时又对当下保持着密切的关注，这两条线索在他身上交织。
若以朝刚作为一个观察样本，从本次展览来看，他的创作既始终保持对油画本体的高度关照，同时在题材、主题的把握与语言的拓展上，又呈现出鲜明的当代性。这是我对他艺术及本次展览的理解。谢谢！
惠书文：谢谢封老师。多位嘉宾都谈到了川美第三代艺术家群体和现象。这批七十年代出生的创作者，已成长为当下极具代表性的中坚力量。
接下来，有请本次展览的主角——王朝刚老师作回应发言。
本次展览艺术家、四川美术学院副院长、教授 王朝刚
王朝刚：首先今天特别感谢各位嘉宾。这是我第一次邀请众多业内专家针对我的作品进行如此系统、全面的点评，大家的观点对我下一步的创作提供了重要参考。正如俞可老师所言，艺术是一个过程，是一个不断生长的阶段。
上一次我在杭州的个展题为“生成之境”。“生成”是当下一个重要的概念，关乎AI在今天的运用方式——无论是文本、图像还是动画的生成。多位专家提到，我的绘画中包含许多传统元素。我相信，任何一个在中国传统文化氛围中成长、又具备深厚学院背景的艺术家，都无法割裂传统。重要的不是是否借鉴传统，而是如何完成艺术语言和自我表达的转换，以及能否植入关于自身思考的新内容，这是每个艺术家独一无二的价值。我更看重的是，在传统经典之外，让作品链接当代文化、现实社会与人的生存处境、传递人的温度与情感，这才是艺术最本质的核心。
我从小生活在重庆大足，大足石刻对我的艺术审美影响深远，那种中国古代文化的线性表达、错落疏密和审美范式一直伴随着我。进入大学学习油画后，我迷恋油画厚重而丰富的表现方式，在探索中学习借鉴了大量西方艺术的知识与语言。在大二有一段时间曾一度茫然，老师要求我们开始探索个性化的艺术语言和观念的表达。对于当时的我来说，不知道观念在哪里？后来的解决方式是系统学习东西方的美术史、文学史、哲学史，那段时间对我影响极大。
大家看到的“向日葵”就是大二下学期语言实验的作品，算是我最早摸索出个人绘画风格的尝试，这件作品也得到了杨述等几位老师的认可，让我对自己的创作有了最初的底气。艺术之路往往如此，年少时的一次尝试、一笔探索，可能就奠定了一辈子的方向。当然，后来的创作之路也是颇为曲折的，面对不同的潮流也中途多次想调整风格。
一路走来，我的创作变化很多，但我始终坚持探索属于自己的道路。我刻意不让自己局限在某一种技法、某一类题材或某一个创作框架中。比如，我在创作“果实”系列写实作品的同时，也在画高度抽象的“秘境”系列。抽象创作能营造出许多质感迷人、视觉张力强烈的画面，但画到酣畅时，我又会主动抽离，同时画极度写实、具象的水果系列，在两种风格的对冲里寻找平衡和新的可能。
刚才大家提到的“绘画生成”这个词，我近几年感触颇深。我的创作状态、艺术表达都与自身的人生经历息息相关。这几年是我对绘画创作欲望最强的时期，工作之余满脑子都是绘画。时间总觉得不够用，教学和管理工作的挤压在绘画中往往形成一种爆发式的释放。下一个作品往往是从上一个作品的经验过程中不断生发出来的，而并不会做非常具体、精确的预设。
我也慢慢意识到，我的创作逻辑与西方传统绘画有所不同。一般上讲，油画创作大多会提前规划主题内容、色彩构图、空间布局等，是一种预设式的创作。而中国古代山水绘画，本质上是自然生成、逐步推演的过程。我现在的创作延续了这种“生成”的逻辑。
人生本就是一个不断积累的过程。随着时间推移，对艺术的认识和把握会越来越成熟。如今面对AI、装置、影像、综合艺术的多重冲击，许多人焦虑架上绘画的未来，但我始终认为绘画有不可替代的价值。绘画永远代表着人的温度、手绘的质感与生命体验。每隔几年，世界上总会涌现出一批在绘画上引领潮流的艺术家，绘画语言永远书写不完。每位艺术家都有自己擅长的表达方式——有人擅长装置，有人擅长影像，有人擅长行为艺术，而绘画是目前最贴合我的表达方式。绘画是人类本质的一种需要，就像儿童天生需要的涂抹一样。它只是一个工具和方法，如果你擅长用它表达，那你就用它。在AI时代，架上绘画更值得我们探索和发现。
今天各位老师的解读与点评，让我受益良多。许多我藏在作品里、未曾言明的想法，各位专家都精准地捕捉到了，还为我提供了更多的启发与思考。艺术家为什么要做展览？就是为了得到真实的反馈。也许下一次再做展览，我的创作又会有新的变化。谢谢大家！
本次展览策展人、上海YOUNG美术馆馆长 惠书文
惠书文：感谢王朝刚老师的真诚分享，也感谢各位嘉宾的精彩发言。至此，我们今天的学术研讨会圆满结束，再次感谢深圳光明区文体局、华侨城文化集团的指导与支持，感谢光明文化艺术中心美术馆团队的辛苦付出，同时也非常感谢今天到场的嘉宾参与我们的展览和学术讨论活动！
研讨会现场
部分展览作品
《梵高梵高No.1》布面油画 60x70CM 1997年
《年华》布面油画 230x190CM 2019年
《存在的光芒》布面油画 300x200CM 2022年
《存在-从物到物No.2》布面油画 150x120CM 2021年
《存在-拟态》布面油画 300x200CM 2022年
《瀑布No.2》布面综合 绘画 180x180CM 2024年
《知觉的森林-春风化雨》布面油画 236x236CM 2024年
《知觉的森林-花豹》布面油画 236x194CM 2025年
展览信息
花·果·山——王朝刚作品展
展览时间
2026年4月25日-2026年6月26日
展览地点
深圳光明文化艺术中心美术馆2F展厅A
（来源：光明文化艺术中心美术馆）
画家简介
王朝刚，1975年出生于中国重庆。1995年考入四川美术学院油画系本科，1999年考入四川美术学院油画系研究生，2002年获硕士学位并任教于四川美术学院油画系，2006——2007法国巴黎第一大学留学访问，上海大学上海美术学院博士。现任四川美术学院副院长，油画系教授，博士生导师，中国油画学会理事，重庆市油画学会副会长兼秘书长，重庆市美协油画艺委会任办公室主任。
个展：
2024年 “树冠层的风——王朝刚个展”，乙观艺术中心，南京
2023年 “镜花缘——王朝刚个人作品展”，三山艺术空间，杭州
“芳华——王朝刚个人作品展”，若同画廊，深圳
“流光绰影——王朝刚、黄琳珺双个展”，寻画廊，太原
2022年 “盛宴——王朝刚个展”，YOUNG美术馆，上海
“秘境——王朝刚个人作品展”，三清上艺术中心，杭州
2015年 “伪装的风景——王朝刚个展”，1618画廊，巴黎
