“中国之美”系列专题 | 李平：把跨学科的人文积淀注入画面，让画面承载丰厚的精神内涵

前言

当代中国正推进中国式现代化，这不仅是物质跃升，更是精神文明重塑与中华民族现代文明筑基。在此背景下，艺术肩负联通文明对话、凝聚人类共识、构建人类命运共同体的使命。习近平总书记指出，要推动中华优秀传统文化“创造性转化、创新性发展”，为艺术创作指明方向：艺术要根植传统，与世界共鸣。

当代艺术家自觉践行使命，追求大美之境，作品蕴含生命关怀。《中国之美》呈现的作品延续此精神，构成“艺术家笔下的人类命运共同体”的注脚。其艺术价值在于续写升华中国艺术“美美与共”的精神谱系，艺术家以“共同体”为题眼，摒弃隔阂，构建精神图景，多元开阔的“美”体现文明互鉴与价值共鸣。

这些作品超越书斋雅趣，成为联通世界的“时代宣言”，核心是构建了可普遍感知共情的情感结构，激发“情感公约数”，表达对“和而不同”等的向往。

置于时代大背景下，这些创作是传统文化“两创”与文明交流互鉴的生动案例。将《中国之美》作为时代读本研读推广，是以美培元、以文铸魂的公共文化实践，我们需更多艺术典范，共筑文明新形态。

在当代艺术界，能够同时兼顾绘画创作、高校教学、学术理论研究的艺术家并不多见，很多创作者重实践而轻理论，手上技艺出众，却缺少系统学理支撑；部分学者深耕文论，又缺少足够的绘画实践体验，理论与创作相互脱节。李平作为高校教授与硕士生导师，将油画、国画、水彩的实践创作，课堂美育教学，哲学、美术史论研究三者融为一体，形成实践滋养理论，理论反哺创作的良性闭环。大量的写生、主题创作、个人画展实践，为理论思考积累鲜活的一手素材，撰写论文、编撰专著的过程，又促使他跳出具象画面，站在思辨高度重新审视造型、色彩、意境的内在规律。阅读其刊发于核心期刊的文章与专业著作，可以看到文字并非脱离实践的空泛议论，而是来自画布之上的真切感悟，对欧洲美术、俄罗斯学院派绘画的梳理研究，同样映照在自身的画面语言之中。高校的教学工作进一步推动这种循环，在指导学生、梳理课程体系之时，需要把绘画的隐性经验提炼为可阐释、可传授的理论方法。三位一体的艺术道路启示当代从业者，绘画的进阶不能只依靠手感积累，感性创作需要理性学术的加持，实践与理论双向奔赴，才能让作品不止拥有技法表现力，更具备思想厚度，构建完整自洽的艺术体系。

（文/张孟劬）

媒介的边界不应当成为创作者的牢笼，不同画种之间的互相借鉴，往往能够打开全新的表达维度。李平以油画为主要创作方向，同时涉足国画、水彩的创作实践，游走于东西方绘画媒介之间，不被单一材料的固有范式束缚，在跨画种实践中完成艺术语言的相互渗透。

油画厚重的色彩层次、扎实的形体塑造能力，潜移默化影响他的国画与水彩创作，使其水墨作品不流于空泛写意，具备形体的体量感；而国画的写意气韵、水彩通透灵动的水色关系，又反过来修正油画的表达方式，避免画面陷入过度写实带来的刻板厚重。当下不少画家固守单一画种，将不同媒介对立看待，画油画便排斥水墨精神，作国画又拒绝吸收外来造型经验。李平的跨媒介实践，并非简单玩材料的花样，而是抓取各类绘画背后共通的审美内核，把握构图、色调、虚实、意境的底层逻辑。三十余次个人画展当中，不同媒介的作品并置展出，彼此对照又内在统一。这种多元实践拓宽感受力，让他面对同一题材时，可以选择适配的媒介去表达内心感受，丰富情感输出的渠道，为当代艺术家的跨画种探索提供极具价值的实践样本。

（文/罗鸿云）

高校美术教师的身份，决定艺术家拥有双重角色，既是进行独立探索的创作者，也是美育的传播者，二者之间如何平衡，一直是学院艺术家需要面对的命题。李平长期在山东大学从事美术学科建设，历任美术系主任、副院长，同时承担研究生培养与学校美育相关工作，在个人艺术求索与公共美育责任之间寻找到平衡支点。

不少学院画家容易走向两种极端，或是把绝大多数精力投入行政与教学事务，挤压个人创作时间，作品逐渐丧失生命力；或是一味追求个人艺术成果，忽视教学育人职责，把课堂当作副业。李平坚持教学相长的理念，课堂示范、课题教研、学生写生指导，这些教学活动并没有成为创作的阻碍，反而持续为艺术感知注入新鲜活力，学生的疑问、课堂的思辨，倒逼他重新梳理绘画认知。他并不把教学简化为技法传授，而是把哲学、文学、美术鉴赏融入美育课堂，拓展学生的审美视野。

高校美育的价值，不止是培养职业创作者，更是面向更广群体完成审美启蒙。作为美育工委相关工作参与者，他跳出专业画室的小圈子，推动校园美育落地。学院艺术家的完整价值，在于一边坚守画布之上的自我表达，一边承担人才培育、审美普及的时代责任，创作与教学互为滋养，方能实现个人艺术与社会美育的双向生长。

（文/臧在东）

地域文化是艺术家精神基因的重要组成，齐鲁大地厚重雄浑的人文气质，深刻浸润李平的艺术品格，无论是油画还是国画创作，都能感受到山东地域文化沉淀出的审美底色，同时开阔的国际交流视野，又让他跳出地域局限，实现本土情怀与世界性艺术语言的兼容。

齐鲁文化崇尚沉实、大气，这种精神没有被简化为符号堆砌在画面表层，而是内化进构图、色调与意境之中。面对泰山这类本土宏大母题，他不去简单复刻风景名胜的图像，而是反复实地体悟山川精神，追求画面雄浑开阔的格局。同时他又吸收俄罗斯学院派绘画的养分，拓展造型与色彩认知，把域外研习收获融入本土题材创作，做到扎根故土而不狭隘，借鉴外来而不迷失自我。当下很多创作者处理地域题材，习惯于堆砌地方风物符号，仅仅做到图像层面的复刻，缺少精神内核的挖掘；也有部分画家一味追逐外来潮流，完全消解本土文化底色。李平的创作证明，地域不是贴在画面上的标签，而是滋养内心的精神土壤，将故土赋予的文化品格与开放的艺术视野结合，作品才能既有文化根脉，又具备开阔的当代格局。

（文/张婉婷）

绘画的经验大多是感性、个体化的，如何把画布之上不可言说的手感、体悟，转化为可以传播、可以研究的学术文字，是很多实践型艺术家面临的难题。李平出版多部美术专著，四十余篇论文、散文刊发于核心与专业刊物，实现绘画实践向学术成果的有效转化。

他的著作与文论，覆盖域外美术鉴赏、素描技法、绘画理论等多个方向，既有《欧洲美术名作鉴赏》这类面向大众与学习者的鉴赏读本，也有解析俄罗斯学院派绘画技法的专业著作。这些文字并非脱离创作的空谈，而是源于大量临摹、写生、创作积累下来的直接体验。在研究域外绘画体系时，他不是单纯翻译梳理文献，而是结合自身绘画实践去理解原作的技法逻辑，把画面的笔触、明暗处理转化为清晰的文字论述。

艺术家做理论写作，最大的优势便是拥有实践者的视角，可以读懂文本之外画布背后的思考；而最大的陷阱，则是把写作变成作品的自我吹捧，丧失客观思辨。李平的文论兼顾感性体验与理性思辨，既可以服务教学研究，也能够为同行提供参考。实践艺术家投身理论研究，意义在于打通手与脑，把个体经验上升为公共学术资源，让绘画的价值不只留存于画布，也能够通过文字实现更长久的传播。

（文/梁任业）