3月7日上午，由清华大学美术学院主办、工艺美术系承办的“清美讲堂”在美术学院C528报告厅如期开讲，本次讲座特邀中国美术家协会分党组书记、驻会副主席屈健担任主讲嘉宾。屈健以“诗画本一律 天工与清新——中国画的诗意表达”为主题，深入阐释中国画诗性精神的历史脉络、美学内涵与当代价值。
主讲嘉宾与聆听讲座的师生合影
清华美院院长吴琼、党委书记覃川出席。来自校内外的师生、艺术界同仁齐聚一堂，现场学术氛围浓厚。
主讲嘉宾屈健
清美讲堂活动现场
清华大学人文讲席教授、中国美术家协会工艺美术艺术委员会主任杭间担任学术主持。
杭间担任学术主持
杭间在主持中介绍，屈健教授是兼具创作实践与理论研究的学者型艺术家，其对长安画派、新中国美术等领域研究精深，更以自身创作体悟为基础，对中国传统诗画关系有着独到的理解。在全球化与文化多元碰撞的当下，重新审视中国画“诗画一律”的传统，对于坚守中华文化立场、彰显中国艺术精神的独特性与自主性，具有十分重要的现实意义。
屈健做主题分享
屈健在讲座中以苏轼“诗画本一律，天工与清新”为核心线索，结合大量经典作品与文献史料，层层展开对中国画诗意表达的解读。他指出，诗与画在中国艺术传统中历来相互融通、彼此滋养，从早期“诗中有画、画中有诗”的审美追求，逐步发展为“诗画本一律”的艺术理念，构成了中国画最具辨识度的文化基因。
屈健进一步分析，题画诗的出现是诗画交融的起点。唐以前已有题画诗出现，但还处于草创阶段。到了唐代，题画诗渐趋成熟，李白、杜甫等诗人留下大量咏画、题画之作，极大推动了诗与画的精神互通，王维更是将诗境与画境高度统一，被后世奉为文人画之宗。至宋代，在苏轼、米芾等文人艺术家的推动下，“诗画一律”成为重要美学主张，宋徽宗时期诗、画、书法相结合的形式趋于成熟，并在元明清成为文人画的主流范式。这一过程不仅是画面形式格局上的结合，更在于精神内核的贯通，使中国画超越了单纯的物象描摹，走向“象外之象、景外之景”的意境，丰富观者美感的享受。
接着，屈健向听众解读讲座主题中“天工与清新”的内涵，“天工”强调自然浑成、反对雕琢矫饰，追求技法与天性的浑然一体，体现出中国画重神似、重气韵、重内在精神的艺术品格；“清新”则是一种格调追求，代表着空灵、雅致、富有生机与灵性的审美境界，二者共同构成了文人艺术的核心追求。中国画正是在这一审美导向下，形成了尚意、尚虚、尚韵的艺术特征。这也体现了中西方诗画观差异，西方重在划分诗与画的界限，中国艺术则追求二者融合，通向“道”的精神境界。
在具体艺术实践层面，屈健结合潘天寿、何海霞、李可染、齐白石等近现代大家的作品，解析了诗性如何转化为笔墨语言与画面意境。无论是以诗入画、以画应诗，还是题诗补画、画不足而诗续之，都体现出诗与画在意境、情感、精神上的互补与共生。他特别以李可染《万山红遍》为例，说明艺术家如何在新时代语境下，从诗词中汲取灵感，以传统笔墨表现宏大时代气象，实现传统山水画的创造性转化。
屈健做主题分享
讲座最后，屈健结合自身创作实践分享了对“诗心”与“画意”的理解：一幅作品可以无题、无款、无过多文字，但不能缺少“诗心”与“画意”。中国画强调见微知著、借景抒情，依靠艺术想象对自然物象进行取舍提炼，最终形成审美意象，在笔墨间传达人生感悟与宇宙意识。古代文人画家正是在意重于形的审美思想指导下，以读万卷书、行万里路为创“意”的条件，不求形似只求意足。在艺术实践中，凭着高超的造型技法、丰富的艺术想象力和“搜尽奇峰打草稿”的毅力，实现着创“意”的目的。这份重修为、重意境、重品格的艺术追求，亦值得与当代每一位艺术创作者共勉。
杭间在总结中指出，屈健教授以诗画关系为切入点，为听众呈现了一部浓缩的中国画史，既厘清了诗画融合的历史脉络，也让大家深刻地理解了形、神、意等传统绘画概念，以及艺术家如何处理具象与抽象、留白与笔墨的关系，如何实现内心与自然的呼应。同时，讲座结合近现代艺术实践，重点阐释了李可染、张仃、罗铭及长安画派等艺术家，如何在新时代以写生结合诗词推动传统诗画精神的复兴，回应了当代中国画发展的路径问题。屈健教授自身的诗画创作展现了诗与画的深度融合，而唐宋时期诗书画的繁荣，亦源于当时艺术家深厚的人文修养，这对当代艺术创作者具有重要启示。
活动现场互动
在互动交流环节，听众围绕当代中国画的创作题材、AI时代艺术坚守、民间艺术与文人艺术关系等话题踊跃提问，屈健逐一细致回应。他指出，传统中国画植根于农耕文明，而当代艺术则要直面现代生活与时代精神，坚持“笔墨当随时代”，在深入生活、扎根人民中实现传统语言的当代表达。面对技术快速迭代，艺术家既要拥抱时代，更要守住内心宁静，在喧嚣中保持对艺术本真的追求。谈及民间艺术与文人艺术的关系，屈健认为中国艺术是有机整体，民间艺术尚用、质朴鲜活，文人艺术尚雅、内敛重意，两者各有侧重又相互滋养，共享同一文化内核，共同构成中华审美体系。
（来源：清华大学美术学院）
