遠くからの注視——杨平东京个展
展览时间
2026年8月13日-8月18日
中午 12:00-下午 18:00
（最后日开放至下午 16:00）
艺术家
杨平
联合策展
狩野珠生Kano Tamaki
杉野 脩
学术支持
贾方舟、鲁虹、王端廷、杨卫（中国）、平川千惠（日本）
联合策划
张君、林春辉HAYASHI HARUKI（日本）
主办机构
GINZA Gallery G2
协办机构
宏科ジャパン株式会社
Gallery Hiro+、
日本東亜法務事務所、
高孝物産株式会社
会场
GINZA Gallery G2
住所
东京都中央区银座1‑9‑8奥野大楼113室
TEL
03-3567-1555
080-50002-0521
支持媒体
Instagram、小红书、哔哩哔哩
微信、YouTube、TikTok
遠くからの注視——楊平東京個展、GINZA Gallery G2にて開く
2026年8月13日、銀座の奥野ビルにあるGINZA Gallery G2にて、楊平の個展「遠くからの注視」が開幕した。1932年に竣工したこのビルは、銀座で最初の高級アパートメントの一つであり、第二次世界大戦の空襲を奇跡的に免れ、当時の姿をほぼそのまま残す稀有な戦前建築でもある。風化した壁面、手動ドアの旧型エレベーター、薄暗く伸びやかな廊下――それらすべてが、沈黙の昭和史そのものを物語っている。2005年にオープンしたG2という、この小さくも緻密な空間が、距離とまなざし、そして感情の変容をめぐる水墨の実験を見事に受け止めている。
展覧会のタイトル「遠くからの注視」は、本展の核となるテーマであり、全作品を貫く視座である。この言葉には二重の意味が込められている。ひとつは、中国出身の芸術家が異国で制作を行うにあたり、母文化、日本風土、そして自身の内面に対して抱く物理的・心理的距離。もうひとつは、高速化する社会の中で互いに見守りながらも、真に触れ合うことの難しさに苛まれる現代人の生存様態である。楊平は東京に在住し、和紙と日本岩彩・顔料を多用しながら、中国水墨の筆法を再解釈することで、素材の境界を越えた新たな表現言語を模索している。和紙の植物繊維は宣紙よりも粗く強靭で、墨の走る軌跡はより直接的で制御しがたい。その一方で、鉱物や植物由来の顔料が持つ温かな質感は、中国墨がにじむ過程で生じる微細な軋みや融和を生み出し、作品に内在する緊張感の源泉となっている。
本展で発表される《富士山の響き》シリーズでは、楊平は伝統的な水墨画の「墨を骨とし、色を補助とする」様式をあえて脱却している。感情の濃度を帯びたマゼンタ、群青、松葉色が山の輪郭を覆い、色彩そのものが語り手となる。それらの色は富士山の写実的な再現ではなく、芸術家がこの精神的象徴に向き合うときに浮かぶ心理的な投影である。朝焼けを思わせる紅色は記憶のぬくもりであり、深く沈む藍色は瞑想の静けさである。色が紙上で幾重にも重なり、ぶつかり合い、滲み合うさまは、現代人の複雑で整理しがたい内面のスペクトラムを映し出している。
《万葉花間集》シリーズは、日本の古典歌集『万葉集』から言語イメージを抽出するが、楊平は歌意を図解するのではなく、文字の筆画を墨の動きへと解体し、和紙の繊維の中で生長・滲透・交錯させる。古の歌言葉は純粋な水墨の軌跡へと変容し、直接的な抒情は曖昧な暈しへと変わり、深い情愛は紙背へと沈み込む。これは筆を渡し舟とする文化的対話であり、「中国」でも「日本」でもない、二つの書写的伝統が同じ平面の上で自由に呼吸する場である。
そして本展の同名メインシリーズである《遠くからの注視》は、テーマそのものを視覚的言語へと昇華させている。このシリーズは、届けられない想いや届かない遠方、異なる文化が互いに見つめ合うときの静かなまなざし――そうした言葉にしがたい感情から始まった。「遠くからの注視」は鑑賞者への招待であると同時に、多元化する世界の中で自らを見つめ直す芸術家自身のまなざしでもある。楊平は水墨と日本顔料を和紙の上に併置し、繊維のしなやかな強さと色彩の流動性を共鳴させる。鮮やかな色彩のひとつひとつが率直な内面の分析であり、制約のない筆致は、個人と集団、東洋と西洋が絶えず擦り合わされる中で生まれる文化的趣向を客観的に描き出す。これらの作品は自由闊達な「物幻」の気配を湛えつつ、同時に鋭く深い「静思」の境地を内包している。水墨の余韻と顔料の透き通るような軽やかさが互いに浸透し合い、それぞれの特性を失うことなく、出会いの中に新しい気韻を生み出している。鑑賞者が作品の前に立つとき、まるで自らも「遠くから注視する」立場に身を置き、画面との間に優しい疎隔を感じる。それはまさに現代人の感情的関係の写像である――互いに見合いながらも、本当に届くことはない。しかし楊平は、この注視そのものに癒しの力が宿ると信じている。文化は互いに見つめ合うだけで、征服する必要はなく、感情は境界を越えても翻訳を必要としない。彼女の描く遠山、人物、花は、いずれの国にも属さず、すべての人の心にかつてあった、遠くの何かや誰かへの静かな想いである。遠くからの注視は、遠くでありながらも、近くにある。
奥野ビルという空間そのものが、本展の不可分な構成要素となっている。九十年余の建築の記憶と、画面の上で生き生きと進行する色彩が並置され、奇妙な相互響鳴を生む。和紙は東洋の古雅を湛え、感情的な色彩は今この瞬間の鼓動を打ち鳴らす。壁のひび割れの一つ一つが、時間が決して止まることなく、伝統が決して固着しないことを鑑賞者に告げている。この小さくも緻密な空間では、鑑賞者は作品に近接せざるをえず、物理的距離の短縮がむしろ心理的距離の感覚を増幅させる。まさに展覧会のタイトルが示す通り、遠くから投げかけられる注視こそが、しばしばを突き抜けて本質に到達するのである。
楊平の創作は常に水墨を媒体としながらも、媒体そのものを超えている。彼女が問うのは、水墨がどのようにして現代人の精神状態を担いうる視覚言語へと変換されるか、ということである。色彩の現代的転換とは技術的な革新にとどまらず、古来の素材を文化的記号の束縛から解放し、感情と内省への直接の通路とすることにある。本展の一点一点の作品は、「遠くからの注視」の具体的な実践である――歴史と現在への注視、異郷と故郷への注視、他者と自己への注視。銀座の街を流れる人々が、奥野ビルの静かな廊下へと足を踏み入れたとき、彼ら自身もまた、この注視の一部となるのである。
2026.8.13 GINZA Gallery G2
遠くからの注視——楊平東京個展，于GINZA Gallery G2开幕
2026年8月13日，银座奥野大厦GINZA Gallery G2迎来了艺术家杨平的个展“遠くからの注視”。这栋竣工于1932年的建筑，作为银座最早的高级公寓之一，也是罕见躲过二战空袭、完整保留至今的战前建筑，其斑驳的墙面、旧式电梯和幽长走廊本身便是一部沉默的昭和史。而成立于2005年的G2空间，这个小而精致的空间，恰好容纳这场关于距离、凝视与情绪转化的水墨实验。
展览标题“遠くからの注視”贯穿始终，成为本次个展的核心命题。它包含双重指向：既是一位中国艺术家在异国创作时对母体文化、对日本风土、对自我内心的物理与心理距离；也指向当代人在高速社会中彼此观望却难以真正触及的生存状态。杨平旅居东京，大量使用和纸与日本岩彩、颜彩，结合中国水墨的笔法逻辑，在媒材的跨界中寻找新的语言。和纸的植物纤维比宣纸更粗粝坚韧，墨色行走的痕迹更直接、更不可控；而颜彩中矿物与植物色粉的温润质感，与中国墨在渗化过程中形成的微妙对抗与融合，成为作品内在张力的源头。
在本次展出的《富士山的回响》系列中，杨平刻意放弃了传统水墨以墨为骨、以色为辅的范式。她以饱含情绪浓度的玫红、群青、松绿覆盖山形轮廓，让色彩自身成为叙述主体。那些色彩不是对富士山真实景观的再现，而是艺术家面对这一精神符号时的心理投射——朝霞般的绯色是记忆的温热，沉入底部的深蓝是冥想的寂寥。色彩在纸上层层叠加、冲撞又相互渗透，仿佛当代人复杂而无法梳理的内心光谱。
《万叶花间集》系列则从日本古典歌集《万叶集》中提取语词意象，但杨平并不图解歌意，而是将文字的笔画拆解为墨的走势，让它们在和纸的纤维间生长、渗化、交织。古老的歌语被转化为纯粹的水墨轨迹，直抒转为氤氲，深情沉入纸背。这是一场以笔为渡的文化对话，既不强调“中国”也不强调“日本”，而是让两种书写传统在同一个平面上自由呼吸。
作为展览的同名主打系列，《遠くからの注視》将命题本身化为视觉语言。这组作品始于一种难以言说的情感——那些无法抵达的远方、无法传递的思念，以及不同文化之间彼此凝望时温柔的沉默。“来自远方的注视”不仅是对观者的邀请，更是艺术家在多元世界中审视自我的目光。每一抹明艳的色彩都是一次真诚的内心剖析，不受约束的笔触描述着个体与群体、东方与西方在磨合中的文化趣味。这些作品既有天马行空的“物幻”之姿，又蕴含着入木三分的“静思”之境——水墨与颜彩相互渗透，在相遇中生出新的气韵。观者站在画前，仿佛也置身于“从远处注视”的境地，与画面之间隔着一层温柔的疏离。这正是当代人情感关系的写照：我们彼此看见，却未必真正抵达。但杨平相信，这种注视本身具有疗愈的力量——文化可以彼此注视而不必征服，情感可以跨越边界而无需翻译。画中的远山、人物与花，不属于任何一个国家，它们是所有人心中都曾有过的、对某个远处或某个人无声的牵挂。遥远的注视，既远又近。
奥野大厦的空间本身成为展览不可分割的组成部分。九十余年的建筑记忆与画面上鲜活的、进行中的色彩并置，形成一种奇妙的互文。和纸承载着东方的古意，情绪化的色彩敲打着当下的心跳，而建筑墙壁上的每一道裂纹都在提醒观者：时间从未停止流动，传统从未固化静止。在这个小而精致的空间里，观者被迫近距离面对作品，物理距离的缩短反而放大了心理距离的感知——正如展览标题所言，那些从远处投来的注视，往往最能穿透表象，抵达本质。
杨平的创作始终以水墨为媒介，却不止于媒介本身。她关注的是水墨如何转化为一种能够承载当代人精神状态的视觉语言。色彩的当代转换并非技术层面的革新，而是将古老媒材从文化符号的束缚中解放出来，使其成为情绪与反思的直接通道。本次展览中的每一幅作品，都是对“远距离注视”的一次具体实践——对历史与当下的注视，对异域与故土的注视，对他者与自我的注视。而银座街头川流不息的人群，在步入奥野大厦幽静的走廊之后，也将成为这场注视的一部分。
2026.8.13 GINZA Gallery G2
Gazing from Afar – Yang Ping Solo Exhibition in Tokyo, Opening at GINZA Gallery G2
On August 13, 2026, GINZA Gallery G2 in the Okuno Building, Ginza, hosts Yang Ping’s solo exhibition “Gazing from Afar.” Completed in 1932, this building was one of Ginza’s first luxury apartment blocks and a rare prewar structure that miraculously survived the air raids of World War II, preserving much of its original appearance. Its weathered walls, manually operated old elevator, and dim, elongated corridors all speak a silent history of the Showa era. G2, which opened in 2005, is a small yet refined space that perfectly accommodates this ink-wash exploration of distance, gaze, and emotional transformation.
The exhibition title, “Gazing from Afar,” serves as the core theme running through all the works. It carries a dual meaning: on one hand, it reflects the physical and psychological distance felt by a Chinese artist working in a foreign land—toward her native culture, toward Japanese landscapes and customs, and toward her own inner self; on the other, it points to the contemporary human condition of observing one another from a distance in a high-speed society, yet struggling to truly connect. Yang Ping, now residing in Tokyo, extensively uses washi (Japanese paper) and Japanese mineral pigments, reinterpreting the brushwork logic of Chinese ink painting to explore a new language across media. The plant fibers of washi are coarser and tougher than those of xuan paper, making the ink’s trace more direct and less controllable. Meanwhile, the warm, subtle texture of mineral and plant-based pigments creates a delicate friction and fusion with Chinese ink during the absorption process—becoming a source of inherent tension within the works.
In the Echoes of Mount Fuji series presented here, Yang Ping deliberately abandons the traditional ink-wash paradigm of “ink as bone, color as supplement.” Instead, she covers the mountain’s contours with emotionally charged magenta, ultramarine, and pine green, allowing color itself to become the narrator. These hues are not realistic depictions of Mount Fuji but psychological projections evoked by the artist’s encounter with this spiritual symbol—the vermilion of dawn as the warmth of memory, the deep blue sinking into the base as the stillness of meditation. Layers of color accumulate, collide, and permeate one another on the paper, mirroring the complex and often unmanageable inner spectrum of contemporary individuals.
The Manyoshu Floral Interlude series draws imagery from the classical Japanese poetry anthology Man’yōshū, yet Yang Ping does not illustrate the poems’ meanings. Instead, she dismantles the brushstrokes of the written characters into fluid ink movements, allowing them to grow, seep, and intertwine within the fibers of the washi. Ancient verses transform into pure ink trajectories—direct lyricism turns into misty halos, deep emotion sinks into the paper’s reverse side. This is a cultural dialogue carried by the brush as a ferry, neither distinctly “Chinese” nor “Japanese,” but a space where two written traditions breathe freely on a single plane.
The eponymous main series, Gazing from Afar, elevates the theme itself into visual language. This body of work originates in emotions that are difficult to articulate—the unreachable distances, the yearnings that cannot be conveyed, and the tender silence that arises when different cultures gaze upon each other. “Gazing from afar” is not only an invitation to the viewer but also the artist’s own way of examining herself in a pluralistic world. Yang Ping places ink and Japanese pigments side by side on washi, allowing the resilient fibers and the fluidity of color to resonate with each other. Every vivid hue is a sincere self-examination; the unrestrained brushwork objectively depicts the cultural interplay between the individual and the collective, the East and the West, in their ongoing negotiation. These works possess both the untamed quality of “illusory transformation” and the penetrating depth of “contemplative stillness”—ink’s lingering resonance and the translucent lightness of pigments permeate each other, neither losing its own character, yet giving birth to a new vitality in their encounter. Standing before the works, viewers feel as if they too are placed in the position of “gazing from afar,” sensing a gentle estrangement from the painted surface. This is precisely the portrait of modern emotional relationships: we see each other, but do not truly reach one another. Yet Yang Ping believes that this very gaze carries a healing power—cultures can observe each other without conquest, emotions can cross boundaries without translation. The distant mountains, figures, and flowers in her paintings belong to no single nation; they are the silent longings for something or someone far away that everyone has once held in their heart. A gaze from afar—both distant and near.
The Okuno Building itself is an inseparable component of this exhibition. The architectural memory of over ninety years stands alongside the vivid, ongoing colors on the paper, creating a remarkable intertextuality. Washi carries the antique elegance of the East, while the emotive colors beat with the pulse of the present moment. Every crack in the building’s walls reminds the viewer that time never stops flowing, and tradition never solidifies. In this small yet refined space, viewers are compelled to confront the works at close range—yet this physical proximity paradoxically amplifies the sense of psychological distance. As the title suggests, it is often the gaze cast from afar that pierces through appearances to reach essence.
Yang Ping’s practice has always used ink as a medium, yet it never stops at the medium itself. Her concern is how ink can be transformed into a visual language capable of bearing the spiritual states of contemporary people. The contemporary translation of color is not merely a technical innovation but a liberation of ancient materials from the constraints of cultural symbolism, turning them into direct channels for emotion and reflection. Each work in this exhibition is a concrete act of “gazing from afar”—a gaze at history and the present, at foreign land and homeland, at others and oneself. And as the bustling crowds of Ginza step into the quiet corridors of the Okuno Building, they too become part of this gaze.
August 2026 GINZA Gallery G2
（来源：Young平空间）
艺术家简介
杨平
当代独立艺术家，毕业于中央美术学院中国画学院，获硕士学位。
中国美术家协会会员、中国书法家协会会员、香港画院研究员、
日本华人美术家协会会员、日本华人女性书法协会常务理事
Young平空间创始人
日本宏科ジャパン株式会社 Gallery Hiro+执行总监
现工作生活于东京与北京
