2026年5月14日晚，作为上海音乐学院学科建设成果展演季暨2026上音歌剧院春季演出季的参演作品之一，“千古稼轩万世流芳——辛弃疾词·艺术歌曲音乐会”在上海音乐学院贺绿汀音乐厅成功上演，音乐会得到了业内专家和广大观众的高度认可。本场音乐会由上海音乐学院与山东大学共同主办。上海音乐学院拥有深厚的历史积淀和音乐学科顶尖的专业实力，山东大学则以文史学科见长，两所院校强强联合搭建起音乐与文学跨界融合的新平台。这场音乐会也是这部声乐套曲自2025年5月26日首演以来的第17场演出。
近年来，为古诗词谱曲成为歌曲创作领域的热点现象，但现有作品常常出现两个极端：一类是学院派艺术歌曲，刻意追求技法的复杂、前卫，主要面向专业音乐从业者，具有较强的学术价值，这属于专业创作者必然要走的一条探索之路。但这类作品往往容易脱离大众审美，曲高和寡，难以广泛传播。另一类是泛古风流行歌曲，片面追求旋律悦耳，却往往忽视诗词本意，出现曲不对词、情感错位等问题，难以真正诠释古诗词的精神内核。《辛弃疾词·艺术歌曲》主创团队立足辛词的文学价值与文化内涵，确立了“艺术性、民族性、时代性、群众性”四大核心创作理念，打破专业与大众的壁垒、传统与现代的隔阂、文学与音乐的边界，打造出一部兼具学术价值、艺术价值与传播价值的优秀作品。本文以该作品的创作实践为研究对象，分析“四性统一”理念的落地路径，为新时代古诗词歌曲创作、传统文化传承提供实践借鉴。
一、创作缘起与作品定位
（一）文化情怀与艺术初心的碰撞
南宋绍兴十年（1140年），辛弃疾出生于历城（今山东省济南市历城区）。当时他的家乡已被金国占领十多年。在祖父辛赞的教育和影响下，辛弃疾自幼就充满爱国情怀。22岁那年，他在济南南部山区聚集起一支2000多人的抗金队伍，后率部加入了当时北方最有名的起义军首领耿京的队伍。但辛弃疾的戎马生涯却定格在山东。从42岁开始，主张抗金的辛弃疾被苟且偷生的南宋朝廷贬谪到江西上饶，直到68岁终老。在投闲置散的日子里，辛弃疾的壮怀从未泯灭，不能战场杀敌，他便以词为剑抒写心中的家国热血。战场上少了一位大英雄，文坛诞生了一位“词中之龙”。
辛弃疾的词作是中华优秀传统文化中极具代表性的瑰宝，奔涌着山河一统的赤诚爱国情怀、自强不息的英雄风骨，沉淀着中华民族根植千年的精神底气，成为代代相传的民族文化精神符号。传承、活化稼轩文脉，正是践行习近平文化思想，落实“两创”文化方针的生动实践。山东大学原党委副书记、博士生导师方宏建教授深受该校传统学风的浸润，同时，他又是一位热爱歌唱的业余男中音。教育工作者的责任、使命和对声乐艺术的热爱，让他产生了策划以辛弃疾词作创作艺术歌曲的构想，他希望以自己的方式弘扬辛词文化、传承辛弃疾的爱国精神。方宏建与词曲作家张永红、音乐制作人孙轶有过长期合作，形成了高度的默契，三人一拍即合。在方宏建教授的策划与组织下，张永红展开旋律创作，孙轶完成乐队及钢琴版本的配器。作品完成后，由方宏建和山东省多位著名男中音歌唱家进行演唱。从创作到演出，所有主创成员皆因对辛弃疾的敬仰与热爱而义务参与，这是文化情怀与艺术初心的激情碰撞。也正是这种没有任何功利目的，为爱、为责任而进行的创作，回归了艺术创作的本真，保证了作品的艺术水准，为其广泛的传播与持久的影响力打下了坚实基础。
（二）精选词作确立套曲架构
主创团队将新作品定位为一部声乐套曲，首先要做的便是选择词作，确定套曲的文本结构。辛弃疾留词629首，团队经过反复沟通，确立三个选词原则：一是选取大众耳熟能详、蕴含经典名句的词作，这类作品更容易被接受；二是选取结构相对规整，适合进行音乐转化的作品，保证歌曲旋律的流畅性；三是所选词作要涵盖爱国、人情、咏物、闲趣等多种题材，以及激扬壮烈、忧愤伤怀、欢快抒情、幽默诙谐等多样情感，全方位还原辛弃疾的人生经历与精神世界，也为音乐风格的多样奠定了文学根基。
基于上述三原则，团队选取了12首辛词进行谱曲。大多数观众往往对宋词中的经典名句耳熟能详，而对词本身的名字却知之甚少，因此，除了几首特别广为人知的词作，套曲中大部分作品均以词中名句作为歌名，这样便于迅速与观众拉近距离。12首词作分别是：1.《破阵子·为陈同甫赋壮词以寄之》（醉里挑灯看剑）；2.《丑奴儿·书博山道中壁》（少年不识愁滋味）；3.《清平乐·村居》；4.《贺新郎·甚矣吾衰矣》（我见青山多妩媚）；5.《鹧鸪天·代人赋》（若教眼底无离恨）；6.《浣溪沙·寿内子》（年年堂上寿星图）；7.《一剪梅·游蒋山呈叶丞相》（呈友人）；8.《菩萨蛮·书江西造口壁》（青山遮不住）；9.《西江月·夜行黄沙道中》（稻花香里说丰年）；10.《南乡子·登京口北固亭有怀》（何处望神州）；11.《青玉案·元夕》（众里寻他千百度）；12.《永遇乐·京口北固亭怀古》。
12首词作既完整展现了辛词的艺术魅力，又呈现了一个真实、丰满、鲜活的辛弃疾形象。每首歌曲既独立成篇、风格各异，又内在统一、一脉相承。在12首辛词歌曲之外，又增加了一首歌唱辛公、致敬辛公的《千古稼轩》（张永红、方宏建词）作为尾声，使得套曲的整体结构更加完整。
（三）立足人物本色的声乐表达
辛弃疾虽然是豪放派的词宗，但实际上其词作风格复杂而多元：既有壮怀激烈、沉郁苍凉，亦有恬淡天真、诙谐风趣；既有缠绵悱恻的婉转情思，亦不乏物我相知的哲理深意，尽显词风之浩瀚与精微。如此多变的风格与丰富的情感，主创团队经过反复探讨，确定整部作品的声部定位为——男中音。因为，在艺术表现力上，男中音兼具抒情特质与戏剧张力，既能展现气势磅礴、慷慨悲壮的外在张扬，也能演绎细腻、内敛的内心独白，情绪塑造能力跨度极大。而音色的丰富多变也是男中音的最大优势，激昂时音色雄浑，自带庄重肃穆，内敛时温润柔和，适合娓娓叙事，还可调配出诙谐、沧桑、冷峻等多元音色质感。这一声部定位贴合了辛弃疾自身的个性气质与作品情感内核，能够精准完成其“失路英雄”“词中之龙”“田间老农”等多重身份的声音塑造。
主创团队进一步明确，整部作品并非以旁观者视角歌颂辛弃疾，而是从他本人的角度来讲述其人生境遇，每一首作品都是辛弃疾在特定场景、特定情感状态下的自我倾诉，是专属于辛弃疾的声乐呈现。虽然这12首艺术歌曲并不是歌剧咏叹调，却有着咏叹调般的情感张力。
二、“四性统一”理念的内涵与实践路径
《辛弃疾词·艺术歌曲》最突出的创新之处，在于将“艺术性、民族性、时代性、群众性”四大理念有机融合、互为支撑，构建起全新的古诗词歌曲创作范式。四大理念各有侧重又不可分割，艺术性是作品根基，民族性是文化内核，时代性是传播关键，群众性是价值归属。
（一）艺术性：词曲深度契合，精准表达情感
艺术性是所有艺术创作之本，这部套曲将“情感精准表达”作为创作的核心原则，实现了“一词一意、一曲一境”。
1.深度体悟词作，贴合人物情感
曲作者张永红坚持“先吃透词作、再创作旋律”的原则，历时两年，研读了大量辛词文献与辛弃疾生平资料，以“我即是辛弃疾”的创作视角，将自己代入辛弃疾的人生经历、内心情感，感知每一首词作的创作背景、情感逻辑与精神内涵。他对词中的每一个典故都进行详尽地资料查阅，结合自己的理解与感悟，反复琢磨词句背后的心境，力求让每一首词、每一句、每个字都能准确表达辛弃疾“此时此刻”的情感，让旋律与人物灵魂深度契合。这也正是总策划方宏建约请张永红担任作曲的原因。方宏建认为，作为一名深耕歌词创作30多年的词作家，张永红的文学修养决定了他与其他作曲家的不同，他对辛词的理解更深刻，音乐表达也更准确。
例如，辛词中最为大众熟悉的《青玉案·元夕》（套曲中歌名改为《青玉案·众里寻他千百度》），曾被许多作曲家谱曲，但大多写得非常凄美，可能是“灯火阑珊”四个字让各位作曲家有了“凄美”之感。但张永红认为，这样的情感表达是不准确的。元宵节是南宋的狂欢节，这首词无论是上阕还是下阕，展现的都是南宋都城的繁华盛景，是欢腾的、热烈的。而“众里寻他千百度”之后，终于看到的“那人”，是辛弃疾心仪的女子？还是他盼归的故都？或是他自己？历来有各种理解，但最被大众认同的，应该是王国维先生所讲的“人生三重境界”的最高一重：经历无数艰难与磨炼之后，终于达到了目的、实现了理想，是惊喜，是大喜。因此，张永红以6/8拍谱写了这首作品，歌曲自始至终都是热情似火的。
2.遵循情感脉络，优化音乐结构
辛弃疾开创了“以文为词”一派，他的词只保留了词牌的外在格式，完全舍弃了原词牌的韵律，汪洋恣肆、不拘一格，情感剧烈跳转。若强行按照上下阕的结构进行音乐段落的布局，必然导致情感割裂、词曲相悖。张永红按照词中的情感起伏重新划分段落，通过词句重复、间奏转折、速度变化等方式实现情感的自然流转。
例如，《菩萨蛮·青山遮不住》中下阕四句表达了完全不同的两种情感。“青山遮不住，毕竟东流去”，境界开阔、气势磅礴，表达了词人对光复中原的坚定信念。而“江晚正愁予，山深闻鹧鸪”，表达的却是词人的悲愁与失望。因此张永红将其写成了两个段落，前一段将两句歌词四次反复，层层递进，如同激流狂奔，不可阻挡；随后通过一个由急转缓、由强转弱的间奏，转为另一个悠长、凄凉的段落。这样的结构设计，将每句词的词义都做到了精准表达，音乐亦自然流畅。
3.准确断句，传达真实词义
以古诗词谱写歌曲，断句至关重要。如果语言节奏错乱，或是为了音乐的流畅而破坏了语言自身的节奏，就会让听众费解，无法真实传达语义。而要做到断句准确，就得准确理解词义。如《永遇乐·京口北固亭怀古》中的“封狼居胥”，许多读者不明就里，不知“狼居胥”是一座山的名字，往往读成“封狼/居胥”。张永红在谱写旋律时，特意单独强调了“封”字，而将“狼居胥”三字放在一起，这样既唱清楚了山的名字，又突出了“封禅祭天”这个行为。
4.匠心编配，丰富表现效果
艺术歌曲中钢琴声部与声乐同样重要，一般创作方式是二者同步完成，或者是先有旋律再写出钢琴部分，有的也会根据需要编写乐队总谱。但这部套曲的创作流程是歌曲旋律创作完成之后，先编配了乐队版伴奏，以管弦乐与混声合唱营造出雄浑、壮阔的音响效果，强化作品的冲击力。然后再根据乐队总谱缩编为钢琴版，以钢琴来模拟乐队，甚至模拟其中的特色民乐。这种创作流程因编配者首先有了乐队思维，从而让钢琴版的音响更加丰满、新颖。
（二）民族性：扎根民族语言，传承文化根脉
民族性是古诗词歌曲的灵魂，该套曲立足汉语本身，挖掘民族语言的音乐特质，打造出兼具民族韵味与现代审美的原创旋律。
1.突破地域风格限制
辛弃疾生于山东，回归南宋之后，曾在江苏、湖南、湖北、福建、江西等地为官和生活。据张永红介绍，一开始他计划将各地的民歌、戏曲、曲艺等音乐元素运用到不同歌曲中，这会让整部作品的风格多元、丰富。但也会出现两个问题：一是很难做到整部套曲内在气质的统一与连贯；二是地域音乐风格是与地域语言发音相统一的，很难让不同地域的听众准确理解唱词。因此，他摒弃了这个想法，转而创作了具有明显汉民族音乐风格，却没有地域风格特性的旋律。即便那首灵感源自山东民歌《花蛤蟆》的《西江月·稻花香里说丰年》，也没有明显的山东民歌痕迹。
2.严格遵循依字行腔
对于现代人而言，阅读文言文有很大隔阂，想听清楚文言文唱词则更加困难。因此，张永红严格遵循“依字行腔”的创作准则，让旋律起伏遵循现代汉语普通话四声的音调，确保每一句词、每一个字都清晰可辨，避免出现“倒字”。尤其是多音字，则更要精确唱准。比如，《丑奴儿·少年不识愁滋味》中“为赋新词强说愁”的“强”字，是“勉强、牵强”之意，发三声，而不是常见的二声。每遇到这种字，张永红总是特别用心地赋予它准确的旋律，以保证后期歌者唱出准确的声调。这种创作方式，让旋律天然扎根于民族语言，无需刻意模仿民间音调，便具备浓郁的民族音乐气质。
3.融入古韵意境
虽然是为古诗词谱曲，但这部作品并非传统意义上的古风歌曲，它没有照搬古曲旋律，而是立足词作的文学意境提炼古典文化的精神内核，在创作中融入古典韵味，旋律是全新的、原创的，是在“有古曲之意、无古曲之形”中体现音乐的民族风格。这既避免了与现有古风作品的同质化，又不失传统文化的厚重底蕴。
4.加入特色民族乐器
在交响乐版本的编配中，孙轶在管弦乐中加入琵琶、箫笛、古筝、唢呐等特色民族乐器，如同画龙点睛一般，让民族韵味得以凸显。如《破阵子·醉里挑灯看剑》的前奏中，直接用琵琶演奏《十面埋伏》片段，将听众带入古代战场紧张、激烈的氛围之中。又如《清平乐·村居》中竹笛自始至终的贯穿，展现出一幅江南水乡的清新画卷。
（三）时代性：贴合当代审美，激活传统生命力
传统文化的传承，必须贴合当代大众的审美习惯与接受方式，才能让经典作品焕发新生。《辛弃疾词·艺术歌曲》的创作，就特别注重立足时代语境，创新创作手法，融入现代审美。
1.副歌与记忆点的设计
现代流行歌曲创作，在歌词创作阶段就已经设定好主歌、副歌的结构，主歌是铺垫，副歌是高潮，这样的结构符合年轻人的欣赏习惯。而辛词却并非这样的结构，一首词中的词句往往激烈跳荡，情感反复翻转，如果按照原词上下阕的结构，很难形成“主歌铺垫、副歌高潮”的旋律推进方式。但张永红却坚持将原词文本依据情感脉络进行拆解、组合，将词中最经典的句子创作成副歌，并像流行歌曲一样，让副歌多次反复，进行情感强化与记忆强化，让副歌中最好听的句子成为整首歌曲的记忆点，令人过耳不忘。这种创作手法，并未降低作品的艺术水准，而是以大众易于接受的方式，让古诗词艺术歌曲摆脱“小众、晦涩”的标签，更贴近当代人的听觉审美。
例如，《永遇乐·京口北固亭怀古》这首词原本是结构相同的上、下两阕，可以用同样的旋律来搭配两段词。张永红认为，词中的“凭谁问，廉颇老矣，尚能饭否”是辛弃疾发出的天问，也是流传千年的经典名句，应该单独作为副歌来尽情咏唱。因此，他首先将下阕的“可堪回首，佛狸祠下一片神鸦社鼓”进行反复，对应了上阕的旋律，而将“凭谁问，廉颇老矣，尚能饭否”单独作为副歌形成歌曲的高潮，以激昂、悲愤的旋律给人以深深的震撼。
例如，《贺新郎·我见青山多妩媚》中张永红将原词中的名句“我见青山多妩媚，料青山见我应如是”作为副歌来谱写，并进行了多次反复，让这一句成为整首歌曲的记忆点，真正达到了“让人听一遍就会唱”的效果。也就是现在流行的说法：很“洗脑”。但这绝非媚俗，与那些所谓的“口水歌”完全不同，整首歌细腻、丰富的情感表达和浓郁的古典气息，让歌曲“既‘洗脑’，又高级”。
2.视听融合的呈现模式当下我们处在短视频风行的时代，歌曲不能再只靠“听”来传播，音乐要有画面感，适合配上视频以达到被广泛关注的目的。这部作品在创作伊始，就为将来的视频传播做好了规划与准备。所有歌曲，创作者都力图以音乐描绘画面，便于后期的视频制作。
例如，《南乡子·何处望神州》中前奏以古筝的演奏展现出长江滚滚东流、奔腾不息的画面（钢琴版则以钢琴模拟古筝）。进入演唱部分，深沉、悠长的旋律，描绘的是辛弃疾站在北固楼上远望故都的画面。从威武、昂扬的间奏开始，展现的是孙权率领大军与曹操激战的场景。原词到此已经结束，但在音乐最激昂处，曲作者通过一段间奏将旋律变得低沉、凄凉，并重复了一遍前两句歌词，展现的仍是站在北固楼上的辛弃疾形象：他在无望地慨叹，已经预感到南宋的灭亡。这就像电影中的蒙太奇手法，以不同的音乐形象实现了镜头的切换。
当音乐已经提供了足够丰富的画面，后续的视频制作便有了依托。作品录制完成后，主创团队联合多个视频制作团队，利用AI（人工智能）工具为每首歌曲制作了多个版本的视频在网上传播，扩大了作品的影响，起到了很好的宣传效果。
（四）群众性：扎根大众审美，实现全民传唱
古诗词是文学艺术中的“象牙塔”，美声唱法是音乐艺术中的“象牙塔”。艺术的最终价值在于服务大众，传统文化与高雅艺术只有走进大众、扎根大众，才能实现真正的传承。主创团队始终坚持以人民为中心的创作导向，让作品既不失艺术水准，又能被普通大众喜爱，打破高雅艺术与大众之间的壁垒。他们有这样一个目标：让古诗词和美声唱法，通过这部作品一起走出“象牙塔”。
1.追求旋律之美
针对部分学院派“追求旋律好听就是低俗、媚俗”的观点，主创团队在创作之初就明确提出：不同受众群体对“好听”的认定标准是不同的，这套曲目追求的是能够让广大的普通音乐爱好者产生共情，这并不是迎合大众，而是追求一个专业与业余之间的最佳契合点，让二者在此得以统一。作品拒绝怪异、晦涩的音乐技法，刻意规避复杂的转调、大量变化音的运用等，专注于用流畅、动人的旋律诠释词作意境。整部作品既让专业歌唱家能够酣畅淋漓地展示，也让普通声乐爱好者“踮踮脚”就能够完整、自如地演唱，改变传统艺术歌曲曲高和寡的困境，让普通大众感到“好听”，继而想要“再听”，进而开始“学唱”。
2.多渠道、多层次推广
主创团队构建了“专业线+社会线”双线推广体系。
专业线以钢琴版本形式，走进上海音乐学院、山东大学、山东师范大学等专业院校，举办音乐会、开展讲座、将作品纳入校本课程与美育教学等，推动作品进入专业音乐教育体系。
社会线以群众更容易接受的交响乐版本，走进电视台、社区、老年大学、中小学、业余合唱团等，通过全年龄段、多场景的推广，让不同群体都能爱听、爱唱，实现传统文化的全民共享。以这样的方式来推广艺术歌曲，应该属于首创，这是真正地让艺术歌曲走进大众。
在这个过程中，也有人认为套曲中有的歌曲像群众歌曲，这能否定义为艺术歌曲？但艺术歌曲并不完全是在一个标准下生成的。允许有多种风格的探索，让其符合大众审美、被大众喜欢，正是主创团队所追求的。
3.开放版权，资源共享
在作品推广中，主创团队秉持“扩大传播、非营利”的理念，开放作品版权，已将乐谱赠送给多所高校和众多声乐爱好者。同时通过网络将乐谱进行广泛分享，还通过各个视频、音频平台，发布歌曲伴奏。另外，主创团队已与出版机构沟通，计划出版包含乐谱、演唱提示、演唱音频、伴奏音频的完整作品集，方便各类群体学习使用，真正实现传统文化、高雅艺术的大众化、普及化传播。
主创团队，左起编曲孙轶、总策划方宏建、作曲张永红
三、演唱设计与表现
实践是衔接艺术创作与观众审美的桥梁。改革开放以来，山东涌现了以雷岩、范晓艺、李鳌、王立夫、徐驰等为代表的老中青三代卓越的男中音歌唱家。他们作为《辛弃疾词·艺术歌曲》的首唱团队成员，紧扣“四性统一”的创作内核，针对12首作品迥异的意境与情感进行了精妙的表演设计，既坚守美声唱法的艺术规范，又凸显出中国古诗词的文化神韵和辛词的独特气质，实现了技术、情感、意境、舞台表现的全方位融合，让稼轩精神通过艺术演绎立体呈现。
（一）差异化调控音色，贴合多元意境
整部套曲依托男中音醇厚饱满、可塑性极强的声音特质，摒弃单一固化的音色，根据每首词作的情感基调精准调配声音质感，实现了“一曲一色、一境一声”。雷岩在演绎《永遇乐·京口北固亭怀古》、李鳌在演绎《破阵子·醉里挑灯看剑》时，以深气息为支持，声音扎实通透、音色沉稳有力，凸显了辛弃疾壮志未酬、心系山河的英雄气魄，与词作雄浑、苍凉的豪放意境相契合。而李鳌在演绎《浣溪沙·年年堂上寿星图》时，则以松弛、自然的声音表现一家人团聚的温馨，弱化厚重的胸腔共鸣，转而以头腔与口咽腔共鸣为主，歌声如说话般亲切。王立夫在演绎《一剪梅·呈友人》时，追求高位置的“悬置”，全曲注重保持软腭上抬、面罩区持续共振，但避免刻意的咽壁撑开。既要在高位置保持声音的聚焦，又不能产生穿透性的锐度，否则便破坏了“无言”的基调。全曲末句“桃李无言，下自成蹊”，“蹊”字声母“q”为舌面塞擦音，发音时本就需要送气，他着意延长摩擦，让韵母在轻微的气息中缓缓消散，使声音真正实现了“下自成蹊”。
（二）依字行腔，坚守文化本真
为贴合套曲的民族性内核，歌唱家们既遵循“依字行腔”的传统审美准则，又注意兼顾美声唱法的发声规范及中文古诗词的音韵美感。他们精准把控汉字发音的声调起伏，尽量规避倒字。雷岩在演绎《永遇乐·京口北固亭怀古》、笔者在演绎《贺新郎·我见青山多妩媚》等典故密集、句式严谨的词作时，重点强化关键字的咬字力度与归韵完整性，将“封狼居胥”“廉颇老矣”“甚矣吾衰矣”等典故唱得沉稳顿挫、字字有力，既保证了发音的清晰准确，又凸显了历史厚重感。范晓艺在演绎《丑奴儿·少年不识愁滋味》这首抒情婉约的词作时，咬字轻柔连贯，归韵绵长舒展。他将两句“欲说还休”连在一起演唱，在第二句的“欲说”之后才换气，表达出词人在“说”与“不说”两种情感间反复纠结徘徊的复杂情感。在演唱《菩萨蛮·青山遮不住》时，王立夫认为第一乐段所有的高位置保持、辅音弱化，皆是为第二乐段“毕竟东流去”的“去”字积蓄力量，这是该曲的最高音。因此，他在演唱中于此字咬紧字头，让气息瞬间冲破阻碍，将辛弃疾眺望赣江时那股“遮不住”的愤懑与决绝，一次性倾泻而出。一收一放之间，尽显辛词之筋骨。
（三）角色的戏剧化呈现，增强舞台表现效果
整部套曲从不同侧面、不同角度表现了辛弃疾波澜壮阔的生命历程，作曲家秉持“将自己化为辛弃疾”的原则展开创作。同时，在舞台呈现上，歌唱家们也做了戏剧化的设计，让表演人物化、角色化，不仅在唱，而且在塑造人物。在演绎《西江月·稻花香里说丰年》时，李鳌突破上台站定后示意钢琴家方开始表演的传统做法，在前奏响起之时，他就如同醉意朦胧的辛弃疾，优哉游哉走上舞台，开始歌唱。每场演出，他都会走到观众席，仿佛带领观众们走在八百年前的黄沙道中，让大家更加身临其境，被深深吸引。在演唱“喂哇喂哇”（模仿蛙鸣）段落时，他通过灵动的唱腔生动地还原夏夜稻浪起伏、蛙声连片的田园盛景。在尾声“路转溪桥忽见”处，他借鉴曲艺中的“现挂”技巧，结合演出所在地、音乐会主题等元素即兴与观众调侃、互动。每一次演出都会在这个环节达到高潮，观众笑声、掌声燃爆全场。雷岩、范晓艺在演唱《浣溪沙·年年堂上寿星图》时，在前奏中扭着秧歌出场的设计，展现出辛弃疾生日喜宴的热闹欢乐场景，也让舞台呈现更加戏剧化。徐驰在演绎《青玉案·众里寻他千百度》时，将整个舞台作为表演区，仿佛辛弃疾元宵之夜游逛在南宋都城的繁华大街上。这种创新的演绎拉近了与观众的距离，极大地夸张了舞台效果，让艺术歌曲不再刻板，与观众迅速打成一片。
结语
《辛弃疾词·艺术歌曲》以艺术性、民族性、时代性、群众性为核心创作理念，潜心打磨，实现了古典诗词与现代音乐的完美融合。作品以音乐为舟楫，载千年文脉穿越时空，让辛词的精神内核在当代焕发出新生。在上海音乐学院的演出之后，主创团队已将走进多所艺术院校、综合大学列入近期演出计划，也有更多的老年大学、中小学正在沟通协商，欲将这部作品落地推广。
中华优秀传统文化的传承创新，需要更多这样坚守文化初心、兼顾艺术品质与大众需求的作品。《辛弃疾词·艺术歌曲》的创作实践，不仅为古诗词歌曲的创作提供了全新思路，更印证了只有扎根民族、立足时代、服务大众才能打造出兼具文化价值、艺术价值与传播价值的精品力作，推动中华优秀传统文化走向更广阔的舞台，生生不息。
（文/魏凡俭，山东师范大学音乐学院院长、博士生导师 来源：歌唱艺术）
