对流呈现刘小婕个人项目——切梦刀 (The Dream Slicer)。此次展览推出了刘小婕近两年六个系列的代表作品。艺术家强调观看与知觉之间的微妙张力，邀请观者在流动的图像中感知个体经验与情绪的隐秘痕迹。
在认识刘小婕之前，你可能会以为“水墨”意味着某种稳重、规整、甚至带点距离感的视觉传统。可当真正走近她的创作，你又会发现这套固有想象立刻就会被轻轻地推翻。
她的作品像是从日常生活的缝隙里悄悄长出来的——一截肩膀、一道弧线、一段被抽离原叙事的影像碎片——如同那私密图像上的噪点，温柔中又带着一点点锋芒。她并不急着告诉你一段完整的故事，也不试图把主体交代清楚。相反，她更像是在邀请观者一起靠近那种“只能意会”的气息。
这次在刘小婕工作室中的对话，聊了在过去几年里她如何以“系列”为单位，不断推进自己的创作，并且在熟悉的水墨语言里寻找新的缝隙和自由度。她喜欢让图像在晕染中保持不稳定性，也喜欢让作品之间在展览现场彼此“发电”。
艺术家杭州工作室
对流画廊：最近有什么创作计划吗？大家都很关注这个。
刘小婕：最近我希望能有一个转换的过程。现在的创作方式已经积累了很多作品，我想在创作语言上进行一些新的突破，可能先从一些小的、偏向习作的方向开始，再逐步转向更有计划的创作。
对流画廊：你的作品，尤其是水墨作品，跟我在美院见过的传统体系的作品非常不同，并且和市面上的艺术家作品也有所区别。那么有受到哪些艺术家的影响呢？
刘小婕：如果说受到某个艺术家的影响，我很难明确指出。我觉得这不是某个特定风格的启发，而是通过接触不同的事物，最终在脑海里形成一种完整的表达。就艺术家而言，我个人比较喜欢杜马斯。读研究生时我就已经写过关于他的论文，他使用的材料和水墨有些相似，但他的创作方式与我们的完全不同。这对许多以水墨为媒介的艺术家来说都很有启发。
蓝色滤镜3 纸本水墨 180×97cm 2024
对流画廊：我们在现场看到很多作品是上下结构的，例如《亲密》系列。为什么选择这种结构？这种形式很少见，通常是一幅作品分为上下两部分，通过两张画来组成一幅作品，背后有什么原因吗？
刘小婕：最开始做这些作品时，我意识到当一张作品能承载的讯息有限，或许可以通过一对图像表达一个更完整的观念。所以我把每一幅画都当成一个容器，只放入一个核心元素。若是想让两个元素产生张力，我就用两张画并置。它们被拼接后的秩序感、两幅六尺画合成一个正方形的结构，会给我一种更完整感觉。
《亲密》系列是正是通过这种双幅一组对比关系，表达生活中许多事物之间的关联性和多义性。A面呈现具象而典型的情境瞬间，B面引入现实中常见却带有象征意味的物件作为情绪的隐喻载体，作品通过这样的结构和信息对比呈出不同的层次关系，以此展开对亲密关系双重维度的思辨。
亲密1:A面 纸本水墨 180×97cm 2024
对流画廊：你提到作品需要在集体展示中释放特殊的氛围和感觉，你能解释一下这种感觉吗？
刘小婕：我的作品并没有强烈的叙事性，更多的是通过一个单独系列的作品来探讨某个母题或概念。我常用具象的意象来表达抽象的感受或概念，因为我喜欢那种不可明说、但又能被感知的东西，是一种只能意会的感觉。观众可以在视觉上直接接收到某种信号，这实际上是氛围或能量的传递。
对我来说，这种氛围是一种非常直观的体验，不需要太多语言解释。当作品展示在同一空间时，我更关注的是它们之间能量的流动，以及它们所形成的场域，这是我希望观者感受到的部分。
亲密1:B面 纸本水墨 180×97cm 2024
对流画廊：在你的一些作品中，比如《蓝色滤镜》和《亲密》，图像来源较为神秘。你是如何定稿并开始一幅正式的创作呢？
刘小婕：创作过程大多并非刻意。有时候某个想法先出现，然后我去寻找与之契合的图像；有时则是先被某个意向吸引，再去表达一些东西。《蓝色滤镜》是我最个人化的系列，它们像是生活碎片的堆砌。整个系列想要传达的内容并非很深刻，但对我而言却很私人化。
而《亲密》系列则有所不同，它更多涉及社会中人与人之间的关系。我会借用一些电影中的画面，但它不是一种再现或复制，而是重新的观看与转译。很多电影中的浪漫场景本身就承载着大众对于爱情的视觉想象，我在创作中更像是把这些既定的视觉记忆抽离出来，再次放置到一种陌生的语境中，让它脱离原本的叙事逻辑。这种图像的使用更接近“再生产”或“再语境化”，它不是在引用具体的内容，而是在利用图像所携带的文化符号去讨论“亲密”如何被看见、被建构。通过这样的方式，作品形成了一个新的观看层次。
蓝色滤镜6 纸本水墨 180×97cm 2024
对流画廊：这次展览的作品来源于你过去两年的六个系列。你是如何开始一个系列的创作？又是如何结束的？
刘小婕：我很多时候并不是一个明确计划的开始，而是从某种持续的思考或视觉经验中慢慢延展出来的。我有时不会在一开始就设定一个过于具体的框架，而是让作品在创作的过程中自己生成一种方向。
目前，我是以系列为单位，完成一个系列后才进入下一个系列。每个系列在时间上是连续的，结束的标志通常是我感受到该系列的信息已足够饱和，表达也已达到了完整的密度。有时候这并不是理性的判断，而是一种直觉，当我感受到一个系列的能量已经达到极限时，就会自然而然地进入下一个系列。
伏影2 纸本水墨 248×129cm 2025
对流画廊：从研究生到博士阶段，你的作品风格有了很大变化。你觉得是什么促使了这种改变？你是如何从变化中稳定下来，进入沉淀的过程呢？
刘小婕：我觉得变化最主要来自于思维方式的转变。研究生阶段的时候，我的创作还比较依附于国画的语境，会自然地受学院教育中那种传统人物画的审美影响。当时更多关注的是技法、形式，以及如何在传统框架中找到个人化的表达。
到博士阶段，慢慢地我开始希望把自己从那个固定的语境中抽离出来，用一种更开放的方式去看待绘画。我意识到，如果一直停留在偏主题化或写实场景的创作方法里，作品很容易被叙事或题材本身所限制，而无法真正承载我想探讨的感受和思考。所以现在的创作更倾向于一种直觉驱动的状态，让图像的出现更自然、更自由。也不再刻意追求风格的统一，而是把每个阶段的作品都看作我在不同思考路径下的延伸。
目前的这些系列，其实呈现的是我当下阶段的面貌，它是一种暂时的稳定，但我认为这种稳定并不是终点，而是一个过渡的状态，我对材料、图像和观念的探索都还在不断变化中。
对流画廊：你的作品将传统国画材料与现代图像中较为刺激的一面结合，这种组合比较少见。你有没有尝试过其他的媒介？为什么选择水墨？
刘小婕：水墨是我非常熟悉的媒介，我一直是国画专业的。因此，使用这种材料时，我在技术上没有负担，能完全掌控这种语言。尽管纸本水墨材料有一定的限制，比如宣纸的承载力和色彩的层次感与油画或丙烯相比有所不足，但我恰恰喜欢它在创作过程中那种渗化、晕染的不确定性。那种无法完全控制的状态，其实和我想在作品中表达的模糊、游离、暧昧的感受很契合。它让画面的生成带有一种“偶然的必然性”，这对我来说是很迷人的。
我对水墨这个概念的理解，并不局限于传统意义上的笔墨或技法。我更把它看作一种思维方式或感知方式——它代表的是一种流动的、开放的、可以不断被转化的视觉语言。当我用水墨去处理那些当代的、甚至是图像性的内容时，我其实是在延展这种媒介的边界，让它去回应一种更当下的感受。所以我目前并没有急于转向其他媒介，因为对我来说，水墨本身仍然有很多可能性。它并不是一个被历史限定的材料，依然可以在当下被赋予新的生命力。
重影7/8 纸本水墨 180×97cm×2 2024
对流画廊：你的作品通常聚焦于身体的局部，如肩膀、大臂等，而很少呈现完整的身体或明确的主体。你构建这种观看体验的原因是什么？
刘小婕：这可能本身就是我观看现实或图像的一种方式。对我来说，创作其实是在画一种“视角”，而这种视角里已经包含了我个人的经验和身份感知。我并不追求完整地呈现一个主体，或许主体本身并不是重点，那些局部、碎片已经足够承载我想表达的内容。
（来源：对流画廊）
画家简介
刘小婕，1995年生，毕业于中国美术学院中国画学院，先后获得学士、硕士与博士学位，现生活与工作于杭州。
刘小婕的创作围绕“观看”机制、媒介转换与身体感知之间的复杂关系展开。她以水墨为核心语言，却不断突破其形式与传统的边界，将水墨视为一种具有流动性的思维媒介，探索其在当代情境中的视觉潜能。
