功夫在诗外，从心方能融——著名艺术家梁永琳“文艺相辅”的书画探索之路

时    间：2022年6月7日——21日

受访者：梁永琳

（中国美术家协会理事、中央文史研究馆书画院院部委员）

中国绘画与书法可以更充分地

表达创作者的内心感受

记者：梁老师，您好！您长期担任中国书法家协会理事，是大家比较熟悉的知名书法家；2018年12月，当选为中国美术家协会第九届理事后，您的中国画创作便引起了业界的关注，您何时开始研习中国画？自古以来，就有书画同源之说，您在探索以书法笔意入画过程中有哪些心得体会？

梁永琳：对中国书画的兴趣大约始于1971年上初一的时候。故乡潮州是粤东古城，有海滨邹鲁之誉。民众保守好古，破“四旧”风头过去后，仍能听到大家对当地老一辈书画名家如佃介眉（1887-1969）等人的议论，人们对书画家的尊敬给少年的我留下难以磨灭的印象。加上众亲友不时提及我已逝世的母亲如何帮人写信，书法如何漂亮，都让我对操笔弄翰产生兴趣。刚开始纯粹是出于个人爱好，写写画画而已，还谈不上有意识地研习。现在人们谈到“文革”时总是谈到文化的劫难。但自己的经历应是个例。那时的我是幸运的。父亲见我痴迷书画，就托朋友找到潮州一位老先生来教我。他便是康晓峰先生，当地的诗人、书画家、收藏家，他是饶宗颐先生的挚友。从他这里，我对中国传统文化有了初步的学习和了解。从康先生这里，我第一次听到平仄、对仗、押韵和《古文辞类纂》《张黑女》等，知道了唐宋八大家，而方苞、姚鼐、刘大魁、伊秉绶、康有为、梁启超等文人的名字，也时时能听到，要知道这可是在“文革”当中，今天回想起来，仍然感到难以置信。时间真如白驹过隙！屈指算来，至今翰墨生涯也有五十年了。也许是机缘巧合，我临摹的书画作品是从赵孟頫开始的。恰好赵孟頫是一位诗书画印修养全面的，十分重视向传统学习，强调书画同源的书画大家。所以诗文书画兼修也就顺理成章了。我在临摹传统绘画作品中有一种体会：中国绘画与书法不仅仅是点画形态上的相似，更重要的是挥运时的往复顺逆、虚实阴阳、干湿浓淡、提按顿挫等所透出的精神境界是相同的，可以更充分地表达创作者的内心感受。至于书法的运腕调锋，中锋与侧锋用笔的转换，积点成线，入木三分，完全可以运用于绘画中。尤其是用笔上笔笔生发，上下左右，顾盼生姿，更是令画面气韵生动所必不可少的！我喜欢在绘画的勾皴点染几个环节都用上书法的“写”意，这样，作品更为自然，画面效果更加浑厚、苍润。

▲   梁永琳   《春风又绿江南岸》    尺寸：33cmX33cm

先文后艺，先书后画，

是自己找到的适合自己的道路

记者：您曾经在一篇艺术随笔中这样写道：“在吸收经典书法精华进行形式体验的同时，充分调动创作本体的生活体验与文化积累。”请谈谈您的书法和中国画创作历程；学习中国画，一定要先学书法吗？

梁永琳：我上大学时修的是中国汉语言文学专业。中文系教授容庚、商承祚都是文字学家、书法家。他们参观学生的书法展时总是强调文化的重要性。记得有一次商老参观学生在学校礼堂的书法展览时，当场让人把某些作品摘下来，原因是作品“格调不高”！有文化积累，观千剑而识器，操千曲而晓声，对文化史上出现的作品反复比较、研判，自然能更准确地甄别格调高下！在学习与创作中会下意识地避下就上。而完全的师心自用，天马行空，反而是欲速则不达，无厚积难以薄发。只有心中有高华的境界，作品才可能有高华的境界！

虽然学习中国画不一定要先学书法，但画出纯正的中国画确宜在书法上要用上多年的功夫。吴昌硕、黄宾虹、陆俨少等都是很好的例证。先文后艺，先书后画，是自己找到的适合自己的道路。当然，中外艺术史上，也有刻意把文学性排除在艺术之处的例子。只是我不愿选这种路子。取舍得失，只是一念之差，取决于个人的选择。

书法上，我喜欢泰山刻石、秦权量诏版、礼器碑、史晨碑、石门颂、西狭颂、张猛龙，喜欢钟繇、二王、颜真卿、褚遂良、徐渭等，反复地临摹、体悟。

绘画上我喜欢董源、巨然、关仝、范宽、李成、郭熙，元四家，董其昌，徐渭，八大、石涛、石谿，四王，他们作品中蕴藏了许多珍宝，不时地临习，总会有所发现，从而吸收、化用。

当然，学习古人不是最终的目的，只是路径。不能求脱太早，也忌总拾人牙慧，脱不了窠臼。最关键是在与古人的作品的对话、体悟中寻找到自我！

只有创作者灵魂中有高华的境界，

作品才能经得起时间的淘洗

记者：陆游在《子遹》中告诫其儿子：“汝果欲学诗，功夫在诗外。”后人通常套用这句名言称“功夫在书（画）外”。作为书画工作者，书（画）外功夫有哪些？请您谈谈怎样才能做好书（画）外功夫？

梁永琳：在中华传统文化中，文史哲是不分家的。在我接触的书画大家中，诗书画印兼修者众。以我粗浅的理解，诗书画印中的“诗”不应指狭义的“诗词”，而应该是以《诗经》为代表的传统文学。书画家应该对古典文学史，中国书画史、印学史、文字学、哲学史、古代史的基本框架和发展脉络有一定的了解，在此基础上持续不断地研究这些史上有名的文学家、书画家、哲学家、史学家的作品，从而进入作者的精神世界，才能让自己的精神世界博大而纤细，敏锐又厚重。当然，书画家侧重仍在书画本体上。对中国书画史上重要的书画家、作品、技法都要理出脉络，有自己的理解与思考，能发现有研究价值的问题，才可能摸索探索解决问题的方法。

我在中国第一大报从事副刊编辑工作达三十多年。因工作关系，接触到中国一流的文艺大家，诸如赵朴初、启功、董寿平、何海霞、艾青、孙犁、汪曾祺、沈鹏等诸位先生，他们莫不重视书画外的功夫，对艺术之路都有自己独到的思考。这也在潜移默化中影响了我的文艺观念和艺术道路的选择。若只在提按顿挫、勾皴点染上下功夫，很可能作品只能在炫技上作文章，有体无魂，不耐品味。只有创作者灵魂中有高华的境界，作品才能经得起时间的淘洗！

提及书画外功夫，我觉得音乐断不能少。值得一提的是古琴的薰陶。在我眼中，音乐的律动，旋律之美，流淌在音乐中的深沉哲思、高远意境与文学作品蕴藉的灵感与情思构成双翼，可托起艺术翱翔。我有幸结识古琴演奏家彭崑，从勾、抹、挑、剔等基础技法学起，获益良多！彭崑是李祥霆先生的关门弟子，传承的是琴坛领袖查阜西、一代宗师吴景略、管平湖与集大成者李祥霆先生等古琴演奏大师的正脉，被视为当今文人琴代表。从学十年，我对古琴有了较为系统的了解。在古代，士无故不撤琴瑟，是必修的。许多文人虽不是职业琴家，但音乐修养却很高。孔子、蔡邕、赵孟頫、周邦彦、姜夔等都是文人琴的代表。我反复听过她演奏古琴曲《酒狂》《阳关三叠》《平沙落雁》《鸥鹭忘机》《忆故人》《关山月》《高山流水》《梅花三弄》《渔樵问答》《离骚》《潇湘水云》等等，曲曲不同，每一曲都能感觉自己被带入一种境界，画面感渐次清晰起来，琴耶？画耶？书耶？我相信随着自己古琴修养的提升，书画创作的境界也应有显著的提升。

至于交游、读书、壮游，升华眼界，开阔胸襟，养磅礴睥睨之气，更是画家须臾不可或缺之事。

▲   梁永琳   《胜地谢尘缘》    尺寸：68cmX68cm

我们更多的是转益多师，而日本朋友

通常以很长时间来学习老师的作品

记者：在纪念中日邦交正常化40周年的时候，您携手画家王德水在东京成功举办了书画展，请问日本民众对中国书画的认知程度是怎样的？我国的书法与日本的书道有哪些区别？书画家到海外举办展览有哪些具体要求？

梁永琳：东京展转眼已是八年前的事了！回想起开幕式的一幕幕情景，仍然抑制不住心中的感动。日本语言与中国语言不同，但日本朋友对中国书画的理解并没有什么障碍，他们对中国书画的热爱，和理解的深度，对中华文化的尊重，都给我留下深刻的印象。不同的是，除了例外的状况，对书画的研习，我们和日本朋友有明显的不同：我们更多的是转益多师；而日本朋友通常以很长时间来学习老师的作品。效果如何，真的是见仁见智。

至于书画家到海外举办展览的具体要求，我不太了解目前有何具体要求，尤其是商业性的展览的具体要求就更不清楚了。我那时候去海外办展只是按照程序一步步走。

反复品读历代佳作，自然而然

在头脑中形成审美标准

记者：一幅好的中国画作品通常具备哪些基本要素？中国画的“意境之美”体现在哪些方面？苏轼在《东坡志林》中高度评价唐代诗人、画家王维:“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗。”到了近现代的吴昌硕、齐白石，把书法、诗文、篆刻融入中国画中，进一步推动了诗书画印的完美融合；您不仅兼擅书画，还能治印，请您谈谈在中国画创作过程中，怎样更好地实现诗书画印的结合？

梁永琳：以我粗浅的体会，作品的好坏是比较出来的。而好的与更好的更是反复比较才能品出来。所以反复品读历代佳作，自然而然在头脑中形成审美标准。尽管时代的变迁，审美标准会有嬗变，但根本性的东西仍是不可动摇的。

好的作品，起码应该结构合理，宾主关系合理，起承转合自然，疏密虚实妥帖，勾勒的提按顿挫，徐疾轻重，节奏分明。更重要的是要有立意，有境界，有独特的意境。

对传统书画的学习，除了汲取营养，更多的是要找到适合自己性情，可以说，诗书画印的结合唯有从心，方能浑融一体。譬如我喜欢浅绛山水的苍润秀逸，在用墨用水用色上，在题跋或诗文，篆刻用印风格上也要与之匹配。

篆刻在我的艺术创作中所占的比重较轻，多是为了自用印而刻。说起来很有趣，起步竟比书画还早，少年时以木棉树的疙瘩为印材刻章。只是时断时续，后来书画用印多用书友赠送的印章。观摩书友刻章，会勾起自己的篆刻欲望。上世纪八十年代便喜获李刚田先生为我刻的名章。记得当时收到此名章后，欣喜之余，便不断地写印稿、操刀。因为平时想到的闲章的佳句，不可能都请朋友立即篆刻，自己又想立刻见到刻出来的效果，于是又拿起了刻刀。平时书画创作累了，看看钟鼎彝器款识、秦汉印、流派印、封泥、泉币，也是很好的薰陶、休息。

诗书画印形式上的结合固然让整幅作品更加整体完美，但诗书画印应该是通融的，运用之妙，存乎一心。只有内心有了感动、感受，心魂才可以统摄作品，才能让艺术家的生命、精神在作品中有了归宿。

▲   梁永琳   《我见青山多妩媚》    尺寸：33cmX33cm

不必拜师，多向历代名家名作学习，

实在不失为稳妥的办法

记者：通常许多书画家都会拜一位名人为师。您曾是中国第一大报《人民日报》文艺部的一把手。应该有机会拜一位名师的。却始终没有投在某一名家门下。不知何故？

梁永琳：的确，由于职业的关系，我能接触到许多书画大家，也能接触到书画大家的名迹。但因工作关系，要求我们与书画名家要保持距离。我们报纸也是公器。而人是情感动物，若拜某一名人为师，就易有亲疏之别。可能会偏听偏信，有个人好恶，可能在宣传上就难以做到公平公允。也就是这个原因。我始终没有拜自己喜欢的老师为师。这是遗憾的事。不过，我虽然不介入某家某派，也没有拜哪位名家为师，但实际上许多书画大家与我是亦师亦友的关系。这种关系让我转益多师，收获良多！可以听到他们独到的艺术见解，甚至听到他们因不同观念而产生的激烈碰撞声，可以看到他们运笔、施墨、上色等技巧上的东西，还能听到他们不为人知的经历故事。当然，有了遗憾，就会倒逼自己去选择历代优秀书画家的作品钻研、学习、体悟，自探灵苗！

当然，还有一点，当代的作品还需要经历时间检验与涤荡，我们可能看得不够准确，判断也许会有失误。当代许多优秀书画家也一直在向历代名家学习。那么，不必拜师，多向历代名家名作学习，实在不失为稳妥的办法。